La Página Caliente del Público Exigente

El año que vivimos peligrosamente, Peter Weir, 1982

2009-06-20T10:51:00.007+02:00

Las películas de Lord Velasco: El año que vivimos peligrosamente

Jill Bryant, agente del servicio de inteligencia británico, recibe un mensaje en clave en su oficina de Yakarta en el que se informa de la llegada inminente de un barco con munición para el partido comunista de Indonesia. El golpe contra el presidente Sukarno es inevitable, al igual que la guerra civil. Jill se gira sorprendida con una mirada de horror y apretando los labios. Fuera, la lluvia cae torrencial, lluvia que abrazará el paseo impotente de la espía camino del despacho del periodista australiano Guy Hamilton. Éste la recibe con un cálido beso que la mujer transforma en un beso voraz, en un abrazo de hierro. Guy responde a la impetuosa pasión de la mujer sin saber lo que está ocurriendo y tan sólo después de haberse acostado con ella conocerá la verdad. Es admirable la forma en que Weir anuda el conflicto exterior, el de la situación política de Yakarta durante los tumultuosos años 60, con la tormenta interior de sus personajes, siguiendo una tradición que el mismo Shakespeare había despachado con sencillez al inicio de “Troilo y Crésida” (“¿Por qué pelear fuera de los muros de Troya si aquí dentro sufro una batalla cruel?”).
Los años 80 vieron el desembarco de una serie de films que llegaron a constituir un pequeño subgénero, el de las aventuras de los periodistas en guerra. Varias de esas películas tuvieron un gran interés pero hubo dos títulos que brillaron con fuerza, la extraordinaria “Bajo el fuego” (Roger Spottiswoode, 1984) y la pieza que aquí nos ocupa, una magistral clausura de la mejor etapa de su director, la correspondiente a sus films australianos. “El año que vivimos peligrosamente” recuerda, por su inolvidable atmósfera, por la sensualidad de sus formas y por su antológico guión, que fue coescrito por Weir, David Williamson y C. J. Koch a partir de una novela del tercero y que es una mezcla asombrosa de precisión y sugerencia que parece seguir los principios del wayang, forma del teatro indonesio al que se cita explícitamente a lo largo de la película, a las anteriores obras maestras del director y, muy especialmente, a la memorable “Picnic en Hanging Rock”. Las une un tono irresistible que, lamentablemente, la filmografía posterior de Weir ha visto palidecer.
“El año que vivimos peligrosamente”, con su título evocador e inolvidable, no sólo se benefició del talento de su director. También Russell Boyd en la fotografía, Maurice Jarre en la música y Mel Gibson y Sigourney Weaver a la cabeza del reparto dieron lo mejor de sí mismos en este film irrepetible que se vio enriquecido por la interpretación antológica de Linda Hunt, materialización definitiva de uno de los personajes más complejos que ha dado el cine: el del sobrecogedor Billy Kwan.

La revolución sexual, La casa azul, 2007

2009-06-18T15:47:00.007+02:00

Los Discos de El Hombre de las Gafas: La revolución sexual

Y llegó 2007 y se desveló uno de los secretos peor guardados del panorama musical patrio: Guille Milkyway era La Casa Azul (o La Casa Azul era Guille Milkyway. Que da lo mismo como lo mismo da). Ese mismo año La Casa Azul publicaba su tercer álbum "La revolución sexual" y conseguía revolucionarnos hasta hacernos enloquecer de alegría, de felicidad, de deseo sexual, de consumismo atolondrado y de chaladuras varias.

Musicalmente, las canciones de " La revolución sexual " estaban basadas en las mismas coordenadas que habían hecho de La Casa Azul un grupo de culto a nivel mundial: canciones pop melódicas, con estribillos pegadizos y fácilmente tarareables. Música pop con mayúsculas para unas canciones que te atrapaban a la primera y te convertían en el protagonista de las historias que contaban.
Aunque en "La revolución sexual" , Guille Milkyway, mantenía ese aspecto de pop clásico y atemporal que, junto a inacabables golpes de efecto, cambios repentinos y giros sorprendentes caracteriza las composiciones de La Casa Azul, tanto el sonido como la temática de las canciones evolucionaban hacia nuevos parajes. En este disco el amor/desamor ya no era el eje único y central de las letras de sus canciones, sino que se trataban también sentimientos como el desengaño, la frustración,el trabajo, las adicciones o las manías personales. Y aún así las canciones no perdían su carácter efervescente y chispeante, al contrario: se extremaban sus características sonando más tecnológicas que nunca, con constantes referencias al techno-pop japonés.
Podría ponerme a comentar una por una todas las canciones del disco, pero no me da la gana. Mejor lo escuchas tú mismo y sacas tus propias conclusiones. Supongo que si eres amante de la buena música ya tendrás esta joya en tu discoteca y sabrás de lo que hablo. Y si todavía no la tienes te aconsejo que la consigas ya mismo y la disfrutes y así de paso le das algo de lustre a tus estanterías.

Devenir perra, Itziar Ziga

2009-06-17T00:01:00.009+02:00

Los Libros de Lord Velasco: Devenir Perra, Itziar Ziga

La novísima editorial Melusina no ha dejado de ser noticia desde que fue creada por José Pons Bertran en 2002. Su prolífico catálogo se centra en el ensayo y escarba en temas de antropología, sociología, teología, feminismo, sexualidad, urbanismo y un largo etcétera. Es una editorial amante de la polémica, cosa que se agradece en los tiempos esclerotizados actuales tan amantes del aquí no pasa nada y de la transgresión tocomocho. Entre sus piezas más comentadas figura “La plaza del azufaifo”, de Isabel Nuñez, y el definitivamente inocuo a pesar de la gran repercusión que tuvo “Odio Barcelona”. Sin duda, una de las líneas más interesantes de Melusina es aquella que tiene que ver con la reescritura de la sexualidad, del feminismo y del universo queer. Alrededor de esa reflexión escriben autoras como Virginia Despentes, Lydia Lunch, Beatriz Preciado o Gabriela Wiener. Y todas con una tinta tan desbocada como combativa a la que se ha unido la de la furiosa Itziar Ziga.

“Devenir perra” es la encendida defensa de un feminismo chucho. Esto es: de una feminidad “extrema, radical, subversiva, espectacular, insurgente, explosiva, paródica, sucia, nunca impecable, feminista, política, precaria, combativa, incómoda, cabreada, despeinada, de rímel corrido, bastarda, desfasada, perdida, prestada, robada, extraviada, excesiva, exaltada, borde, canalla, viciosa, barriobajera e impostora” muy alejada, al decir de su autora, de los modelos de la feminidad dulce y autocomplaciente. Ziga no se limita a épater le bourgeois y a gritar. A su incontenible grito le sigue la reflexión y a la opinión, el documento. El libro comienza con el capítulo “Me gusta ser una zorra: la construcción del placer” que parte de un jugoso análisis de la mítica actuación que dieron Las Vulpess en el programa de televisión española Caja de ritmos a principios de los 80 y acaba con una “Oda al coño de Annie Sprinkle” en el que homenajea la labor de esa pionera del arte posporno. Entre uno y otro capítulo, además de extractos de entrevistas y un reguero de datos, hay tantas risas como lloros.
Me contaba el dueño simpatiquísimo de la muy recomendable librería Watergate que Itziar Ziga había protagonizado la firma de libros más espectacular y atronadora del Sant Jordi de este año. Por lo visto, llegó a la puerta de la librería con una caja llena de ejemplares que dejó sobre una mesa. Se sentó en una silla y se bajó las bragas. Después se pintó el chumino de rojo pasión y fue dedicando el libro a sus fans pasándolos por su raja. Eran las seis de la tarde en la plaza Vicenç Martorell.

La inglesa y el duque, Eric Rohmer (2001)

2009-06-14T16:28:00.004+02:00

Las péliculas de Lord Velasco: La inglesa y el duque, Eric Rohmer (2001)

Como quien no quiere la cosa la década está tocando a su fin pero antes de que llegue el próximo enero y nos empiecen a dar la murga con previsibles listas de “Lo mejor de…” nos vamos a adelantar un poco y vamos a ventilar el tema por medio de esta sección. Poco a poco, y a golpe de recuerdo feliz, haremos un recuento desordenado de las cosas que nos chiflaron. De películas como “La inglesa y el duque”, por ejemplo.

Tengo que reconocer que nunca vuelvo a ver las películas de Eric Rohmer. Sólo las disfruto una vez. Me pasa tanto con los “Cuentos morales” como con las “Comedias y proverbios” y los “Cuentos de las cuatro estaciones”. Pero hay un puñado de títulos que sí visitaría de nuevo y que no pertenecen, curiosamente, a sus ciclos más famosos. Hablo de películas como “La marquesa de O” (1976), “Perceval el galo” (1979) o “El romance de Astrea y Celadón” (2007), películas que suponen una ruptura con el estilo más conocido de Rohmer en al menos dos aspectos: parten de obras literarias para mirar al pasado, sea histórico o mitológico, de una manera imprevista. Como en todo, hay excepciones: “Triple agente” (2004) cuenta una historia original ambientada en los años 30 y “Cuatro aventuras de Reinette y Mirabelle” (1987), “El árbol, el alcalde y la mediateca” (1993) y “Les rendez vous de Paris” (1995) son películas de Rohmer que, ambientadas en la actualidad, no forman parte de ningún ciclo. En cualquier caso: ese otro ciclo sin nombre que Rohmer labró con el tiempo al margen de sus películas más programáticas me parece el menos rígido y el más sugestivo de todos.

“La inglesa y el duque” es una adaptación de las memorias de la aristócrata escocesa Grace Elliott que fueron publicadas póstumamente en 1859 con el título “Ma vie sous la révolution”. Se centran en la relación que mantuvo con el duque de Orleans durante los tiempos convulsos de la revolución. Como en “Perceval el galo”, Rohmer somete el material literario a un tratamiento visual insólito: si en su versión de Chrétien de Troyes se había basado en las perspectivas sin fondo de los retablos medievales, “La inglesa y el duque” recrea la revolución francesa a partir de pinturas de la época. Es admirable el sentido del riesgo de su director quien, a sus 81 años, se sirvió de la tecnología digital para este fascinante viaje al pasado en el que, salvo en unos pocos interiores, los personajes se mueven y hablan entre las entrañas de los cuadros. El resultado, pimpante, es algo así como un colirio contra los clichés de la ambientación histórica.

Por su retrato feroz de la revolución, “La inglesa y el duque” levantó una polvareda en Francia que le hizo ser rechazada en el Festival de Cannes. Fue repescada a lo grande en el Festival de Venecia, donde aprovecharon para premiar a Rohmer por toda su trayectoria. En Castelldefels la pudimos ver en el Cine Plaza, cosa que todavía no me explico.

Vida y Milagros de Lord Velasco

2009-06-11T16:03:00.006+02:00

Quinquis de los 80

El CCCB ha vuelto a dar la campanada con la que promete ser una de las exposiciones más interesantes de este año, la dedicada a la figura del quinqui, personaje que se convirtió en un auténtico icono en los años 80 a través del cine, la prensa y la música. Como en otras ocasiones, el CCCB revisa nuestra historia reciente sin caer en el cliché y el oficialismo, antes bien, hurgando en aquellos temas que todavía no han sido analizados con la atención merecida. En el caso de los quinquis, la atención está más que justificada debido a la importancia que tuvo dicho tipo de delincuente. Su presencia e influencia, que fue retroalimentada por el cine y la prensa más sensacionalista, produjo un gran malestar en la sociedad española de la época. Su popularidad no admite dudas: entre 1978 y 1985 se produjeron 30 películas en torno al mundo de la delincuencia juvenil, algunas de las cuales se mantienen entre las películas más taquilleras de nuestra historia; los titulares y artículos de la época fueron incontables; la música dio cuenta de un nuevo y exitoso estilo al que sirvieron grupos como Los Chichos, Los Chunguitos, Los Golfos o Las Grecas; el cómic ayudó a establecer la representación visual de la figura del quinqui e incluso la lengua se enriqueció con el acuñamiento de no pocas palabras, tales como apalancarse, bujarra, pluma, trullo, canuto, cepillarse, colega, chapero, comerse un marrón, estar en la onda, estar puesto, mono, pasota, rollo, talego o yonqui. La lista completa, todo un maravilloso diccionario quinqui, es uno de los platos fuertes de la exposición.

“Quinquis de los 80”, comisariada por Amanda Cuesta y Mery Cuesta, es un extraordinario recorrido por la llamada picaresca negra de la transición (en magníficas palabras de Eloy Fernández Porta). Partiendo de las películas más famosas del subgénero, de títulos como “Colegas”, “El pico 1 y 2”, “Perros callejeros” o “Deprisa, deprisa” que están acompañados de un atractivo plantel de carteles, fotografías y pressbooks, la exposición ataca el fenómeno quinqui desde todas sus dimensiones sociales. Especialmente relevante es el análisis del entorno urbano, el florecimiento de un urbanismo marginal que hizo de barrios como La Mina en Barcelona, San Blas en Madrid u Otxarkoaga en Bilbao el fértil semillero de los futuros quinquis. Barrios sin servicios, desarraigados y en los que el paro y la droga se cebarían malditamente. Pero la sección más celebrada quizá sea la que analiza las nuevas formas de ocio que vio nacer la cultura quinqui: la recreación de una sala de recreativos donde truena la música de un jukebox con casetes de gasolinera es todo un momento estelar.

“Quinquis de los 80” es una exposición que se recordará por la pertinencia de sus planteamientos, por la originalidad de su tema, por la brillantez de su puesta en escena y por la influencia que arrastrará consigo. El catálogo es una joya, vistosa y obligada.

Otra muestra de cultura alternativa

analizada con perspectiva

por

Lord Velasco

(quinqui en los 80, aristocrata en los 90)

El Rincón del Cinéfilo Caliente

2009-06-10T18:05:00.005+02:00

Terminator Salvation (McG, 2009)

Después de que Jonathan Mostow realizase en 2003 la olvidable Terminator 3: La rebelión de las máquinas, que los productores hubieran decidido volver a encomendar la cuarta entrega de la saga a los mismos guionistas de aquella, John Brancato y Michael Ferris, y la dirección a McG, perpetrador de Los ángeles de Charlie, no hacía esperar nada bueno. Tal vez por eso, debido a la falta de expectativas, los fans de la franquicia iniciada por James Cameron en 1984 no saldrán del cine defraudados. Porque aunque el resultado final de este Terminator Salvation está años luz de las dos primeras entregas firmadas por Cameron, es una película de acción bastante decente.

El primer gran punto a su favor es, sin lugar a dudas, la presencia en el reparto de Christian Bale. Un actor capaz con su sola presencia de dotar de entidad un papel tan peliagudo y enclenque como el de John Connor. Difícil, porque en esta ocasión, asistimos por primera vez a la plasmación de un personaje que se nos viene explicando desde aquella primera The Terminator y que, recordemos, han interpretado otros seis actores (1) antes que Bale. En esta, podemos ver por fin a ese John Connor convertido en una especie de líder mesiánico capaz de liderar a la raza humana en su lucha contra las máquinas, guiado por las cintas de casete grabadas por su madre (como lo oyen, unas cintas capaces de superar el paso del tiempo y hasta un holocausto nuclear, nada menos). Además, el papel de Connor debe lidiar con los imperativos argumentales que impone una película de acción, que no puede permitirse bajar el ritmo para entretenerse en las complejidades de un personaje. De ahí la importancia de Bale, capaz de hacer un mimbre con cuatro cañas, o lo que es lo mismo, con cuatro miradas y el tono de voz adecuado, lograr que su personaje se aguante a base de pose. Porque, como ocurría en las anteriores entregas, el verdadero protagonista es, una vez más, el Terminator.

(ESPOILER: si no has visto el trailer de la peli, ni leído nada sobre su argumento, mejor sáltate este párrafo)
Arnold Schwarzenegger inmortalizó el modelo T-800, hecho a su imagen y semejanza, todo fuerza bruta; Robert Patrick tomó el relevo con el mejorado T-1000, capaz de transformarse y adoptar cualquier apariencia; y Kristanna Loken, siguiendo la lógica evolutiva, se transformó en la letal T-X. Esta vez, el modelo se llama Marcus Wright, y como su nombre indica, es un híbrido mitad humano, mitad máquina, al que interpreta de forma eficiente Sam Worthington. Esta evolución del Terminator le sirve de excusa a McG para envolver las dos horas de acción pura y dura con el celofán pseudo trascendental de reflexionar sobre la esencia que nos hace humanos. Algo en lo que, si realmente estás interesado, puedes profundizar a lo largo de las cuatro temporadas de esa maravilla televisiva llamada Battlestar Galactica.

Otra muestra de cine de sillón

comentado con devoción

por

Pussy Deluxe

(1)Christian Bale is one of seven actors to play John Connor. In Terminator 2: Judgment Day (1991), the adult John Connor was played by Michael Edwards, the teenage John Connor was played by Edward Furlong and the infant John Connor (who appeared during Sarah Connor's dream sequence of the nuclear attack) was played by Dalton Abbott. Nick Stahl played the fourth John Connor in Terminator 3: Rise of the Machines (2003). Thomas Dekker currently plays John Connor in the TV series, "Terminator: The Sarah Connor Chronicles" (2008), with John DeVito playing a younger John in a flashback. IMDB

Pásame el Mando

2009-06-08T16:12:00.006+02:00

Series veraniegas: Weeds, 5ª temporada

Un artículo publicado con 11 días de retraso y firmado por nuestra glamurosa pluma Pussy Deluxe

Además del buen tiempo, la playa y la cercanía de las vacaciones, el veranito nos trae el relevo de las series televisivas. Nancy Botwin (Mary-Louise Parker) y los suyos regresan hoy lunes con la 5ª temporada de Weeds (Showtime). El día 14 de junio hace lo propio la 2ª de True Blood (HBO), y en agosto podremos ver la 3ª de Mad Men (AMC). Entre las novedades, The Warehouse 13, que se estrena el próximo 7 de julio en Sci-Fi tiene buena pinta y puede suplir el hueco dejado por Fringe, porque explica las andanzas de tres agentes del gobierno que deben hacerse cargo de un misterioso almacén que guarda todo tipo de objetos sobrenaturales.

Para empezar, os dejo con las divertidas promos de la nueva temporada de la traficante más sexy de la televisión. Os recomiendo especialmente el breve resumen de la historia de la marihuana y la parodia estilo Obama del impagable Kevin Nealon, Yes we cannabis!

A Brief History of Weed

Yes We Cannabis!

Weeds - Season 5 Promo

Weeds Behind the Scenes Season 5

El Rincón del Cinéfilo Caliente

2009-06-04T15:47:00.005+02:00

Lobezno en el cine: X-Men vs X-Men Orígenes
Por El Hombre de las Gafas

Si tuviera que ser mutante, ahora mismo me gustaría ser Lobezno. Tener su prodigiosa capacidad de regeneración para que mi cerebro no hubiese tenido que tardar casi dos semanas en reponerse de los daños sufridos tras el visionado de "X-Men origins: Wolverine" y sus letales garras de adamantium para rebanar el pescuezo y arrancar las vísceras a todo aquel responsable de tan lamentable película. También me gustaría ser Charles Xavier para reventarles la cabeza con mis pensamientos malignos, Magneto para sepultarlos bajo una montaña de escombros metálicos, Tormenta para freírlos a rayos y Madrox porque el mundo necesita infinitas copias de mí mismo para adorarme e idolatrarme.

No era necesario que los responsables del ¿guión? de esta especie de videojuego se leyeran los tropecientosmil comics que desde mediados de los años 70 se han publicado sobre el mutante estrella de la factoría Marvel para explicar el origen de Lobezno. Bastaba con que le hubiesen preguntado a algún fan pues estoy seguro que hasta el teenager más despistado tiene las cosas mucho más claras que ellos. Si me apuran, bastaba con ver las dos primeras películas de la saga X-Men y ser mínimamente coherente con el trabajo de Bryan Singer para entender quién es Lobezno (Logan, Arma X, Parche o como quieran llamarle) y tener la imaginación suficiente para crear un pasado a la altura del personaje. Pero no, David Benioff y Skip Woods, los maleantes encargados de escribir la historia decidieron crear un nuevo pasado para un nuevo personaje que, físico y poderes aparte, nada tiene que ver con el del cómic y mucho menos con el que se había mostrado en las cintas anteriores.

Porque cuando Bryan Singer rediseñó a la Patrulla X para llevarla a la gran pantalla lo hizo basándose en sus experiencias como lector de cómics y no en un cómic determinado. Me explico.

Durante los más de treinta años de existencia de Lobezno muchos han sido los guionistas que han contado sus historias y todos y cada uno de ellos lo han hecho desde un punto de vista distinto, partiendo todos del diseño básico del personaje: un mutante con esqueleto y garras de adamantium, con una capacidad de regeneración tan prodigiosa como profundo el vacío que hay en su mente y que le impide recordar su pasado antes de que le implantasen el indestructible metal. Han habido Lobeznos salvajes, perdidamente enamorados, asesinos, paternales, amistosos, confundidos, con sentido del humor, taciturnos... Pero nunca, nunca ha existido un Lobezno soseras e insípido. Así que a la hora de dar el salto a la gran pantalla había que elegir cual era el Lobezno que iba a protagonizar la cinta. Bryan Singer lo tuvo claro: su Lobezno sería todos y ninguno, es decir el suyo. Un Lobezno agresivo que se ganaba la vida luchando en la jaula de un tugurio en un lugar tan perdido y salvaje como él mismo, un Lobezno capaz de hacerse cargo de una adolescente asustada (Pícara) y encariñarse de ella hasta el punto de dar su vida por salvarla, un Lobezno deseoso de ser correspondido por Jean Grey, desconfiado con las pretensiones de Charles Xavier o decidido cuando tiene que frenar los planes de Magneto y sobre todo sexy, muy sexy (algo nunca visto hasta el momento). En definitiva, un personaje lo suficientemente atractivo, complejo y contradictorio como para hacer de él el eje central de todas las cintas de los X-Men (con permiso de Magneto). Eje central porque Lobezno es el reflejo invertido del resto de los personajes: es autosuficiente porque Pícara es una joven desvalida, es desconfiado ante la confiaza de Charles, es valiente ante la cobardía de Magneto, es inteligente ante la fuerza bruta de Dientes de Sable, es tan macho como femeninas son Jean Grey o Mística, es tan simpático como estirado es Cíclope y tan transparente como reservada es Tormenta. Lobezno es todo lo que es porque el resto de personajes son lo que son y viceversa. Singer aumentaría todas estas cualidades en la segunda película de la saga (tiene que hacerse cargo de tres adolescentes, Mística intenta seducirlo, él seduce a Jean,...) para alejar definitivamente a su Lobezno de cualquier estereotipo de matón testosteronado.

Y pasando por alto la tercera parte de X-Men, en la que el personaje se mantiene prácticamente fiel a lo que venía siendo, llegamos a "X-Men Orígenes: Lobezno". Contar una historia cuyo final es conocido por el público no es nada fácil ya que no puedes jugar con sorpresas finales ni con otros trucos de guión para hacerla más atractiva. Lo único que se puede hacer en estos casos es intentar contarla de la manera más ágil y entretenida posible y, a poder ser, salteada con otras tramas que la hagan más interesante. El problema viene cuando por entretenido se entiende algo vacío de contenido, con mucha pelea insustancial y mucho efecto visual para maquillar la falta de una historia que contar. Porque ¿de qué va realmente esta película, qué nos cuenta?. Las tres películas precedentes partían de una premisa bastante simple que servía como mera excusa para contar el mismo e interesantísimo tema: la lucha de las minorías para encajar en una sociedad que las teme, las discrimina y las odia. "X-Men orígenes: Lobezno" parte de una premisa igualmente simple: a un mutante con garras de hueso y poder para sanar rápidamente le tienen que revestir el esqueleto con adamantium y tiene que perder la memoria. El problema es que esta premisa no sirve para contar nada. Nada porque ningún personaje, incluido el propio Lobezno, interesa lo más mínimo. Stryker nos cuenta que su odio hacia los mutantes es provocado por su propio hijo, que crea alucinaciones en la mente de las personas y que causó el suicido de su madre, pero es que esto ya nos lo había contado en "X-Men 2". El resto de personajes pululan por la cinta con el fin de pelear y morir . De tal manera que la película acaba convirtiéndose en una especie de videojuego sin sustancia y su protagonista en un pelele aburrido que ante su incapacidad de transmitir cualquier tipo de emoción cerebral se pasea medio desnudo durante más de medía cinta con el fin de, por lo menos, hacer reaccionar a la platea de cintura para abajo. El problema viene cuando ni tan siquiera consiguen que mojes mínimamente las bragas o que te empines un segundo, porque ¿qué Lobezno nos está mostrando esta película entonces? La respuesta no puede ser más desalentadora: el que nunca ha existido, el que nadie antes había querido y en el que nadie jamás había pensado: el soseras, el insípido, el insustancial... Sólo espero, para acabar con el tema, que en las próximas películas sobre el personaje, que en vista de la taquilla seguro que se hacen, los responsables de la misma vuelvan a la senda marcada por Singer.

El Micrófono Caliente de Lord Velasco

2009-06-03T20:31:00.008+02:00

The Bachelor, Patrick Wolf (2009)

Mucho ha dado que roer el nuevo trabajo de Patrick Wolf desde que se empezaron a filtrar algunas de sus características compositivas y financieras: que si era el resultado de una aguda crisis personal por la que Wolf había atravesado en medio de la gira de “The magic position”, crisis por la que rompió con su novia y se echó un nuevo novio y crisis por las que vivió una serie de experiencias al límite (¿al límite de qué?) que después se reflejarían en el single “Vulture”; que si “The Bachelor” iba a ser financiado por las aportaciones de los fans fijadas en 10 libras y por las que percibirían una parte de los beneficios de las ventas (¿digitales?); que si iba a ser un doble CD con dos partes muy contrastadas… Al final, el anunciado doble CD se ha visto dividido en dos: en el actual, “The Bachelor”, que hasta hace poco se iba a llamar “Battle”, y en la próxima publicación de su continuación, “The conqueror”, prevista para el año que viene. Se quiera como se quiera el resultado está lejos de ser lo oscuro que se intuía. El resultado es luminoso y hace pensar en “The Bachelor” como un trabajo de resurrección (personal) más que en una obra de destrucción desoladora.

La polémica rodea al disco. Hay quienes lo han oído como la peor obra de Patrick Wolf y hay quienes lo aplauden con entusiasmo. En mi opinión, se trata de un disco continuista que peca de irregular. No hay un solo hallazgo sonoro en “The Bachelor” que no estuviera ya en sus tres discos precedentes pero eso es tan cierto como decir que temas como “Hard Times” y “Oblivion” son magistrales. El mismo “Vulture”, tan discutido, tan denigrado y tan verdipuesto, es un corte de lo más interesante. Como siempre tratándose de Wolf no faltan líneas melódicas arrolladoras así como experimentalismo sonoro unido a cuerdas vertiginosas. Se dirá que canciones como “The Bachelor”, “Damaris”, “Thickets” o “Blackdown” son un auténtico lastre de cara a la redondez del conjunto. Pues sí. Pero de la misma manera que el público no necesita esos temas no es menos cierto que Patrick Wolf sí los ha necesitado.

Os dejo con el vídeo de “Hard Times”. En sus imágenes asoma la sombra alargada de David Bowie…

Otro cantante raruro

flipado como ninguno

elogiado por

Lord Velasco

(anómalo y melómalo)

Vida y Milagros de Lord Velasco

2009-06-02T15:46:00.009+02:00

Salón del Cómic 2009

Se acabó. Me refiero al Salón del Cómic 2009 cuyas puertas cerraron ayer en el recinto ferial de Montjuic después de haber congregado a más de cien mil visitantes a lo largo de tres días, días en los que hubo de todo, desde presentaciones de autores (Jim Lee, François Bourgeon, Tome, Mike Mignola, Gipi…) a exposiciones variopintas (otra vez Jim Lee, Batman en Barcelona, Esther y sus mundos…). Yo fui la tarde del lunes temeroso de las aglomeraciones pero me encontré un ambiente respirable muy distinto al que, por lo visto, se vivió en las dos primeras jornadas cuando la gente se volvió loca y agotó los seis mil ejemplares del nuevo Batman en apenas unas pocas horas. A falta de conocer las ventas que se produjeron (porque el Salón del Cómic, al fin y al cabo, es eso: una feria comercial) puede decirse que la crisis sólo se ha notado esta vez en la escasez de disfrazados: junto a los aburridos de siempre que se empeñan en seguir luciendo como soldados imperiales de “Star Wars” (¿por qué no como ewoks? ¡sería más divertido!) se pudieron ver travestis mangas, un Robin enlicrado hasta los huesos y un par de entrañables Hulkas. En este aspecto el Salón del Manga suele ser más animado.
El Salón de este año tuvo como país invitado a un grande entre los grandes, Bélgica, sin que por desgracia se notara su presencia en los stands que, en su mayoría, estaban copados por los superhéroes americanos y las viñetas mangas. El cómic europeo tuvo una presencia discreta aunque estuviera representado por magníficas editoriales como las españolas Astiberri, la Cúpula y la muy radical Sin Sentido (en cuyo catálogo figura una Juana de Arco en colores acid que me pienso regalar). Más allá de las obras descatalogadas y de la vertiente comercial de la muestra (en el buen sentido: en la posibilidad de contactos entre la gente comiquera), no hay nada en el Salón del Cómic que no se encuentre en las tiendas de Barcelona, en tiendas como Norma, Freaks, Arkham, Universal, Newton o Continuará.
Precisamente fue Continuará la tienda destacada este año en los premios del Salón. Del resto de los premios concedidos triunfaron “Las serpientes ciegas” (BD Banda: mejor guión y mejor obra del 2008) y “La revolución de los pinceles” (Dolmen: mejor dibujo y mejor autor revelación). Otros premios fueron para “La educación de Hopey Glass” (La Cúpula: mejor obra extranjera), Rantifus (mejor fanzine) y Amaníaco (mejor revista). Aunque solo fuera por la cerveza fresquita y por la posibilidad de chismorrear con los amigos rodeados de tanto dibujo y papel, la visita al Salón estaría justificada. Aunque insisto: nada que no se pueda hacer, y sin necesidad de pagar una entrada, durante todo el resto del año.

Otro gran acontecimiento

para morir de agotamiento

vivido por

Lord Velasco

(estrella de salón)

Pásame el Mando

2009-05-30T13:04:00.006+02:00

Heroes, 4ª temporada Después de terminar de forma sonrojante una esperanzadora primera temporada; de perpetrar una infumable segunda, cuyo rastro han tratado de borrar por todos los medios; y de marear de lo lindo al inasequible al desaliento personal que aún conservaban en la tercera; parece que el anuncio de la NBC de limitar la serie a cinco temporadas ha servido para aclarar las ideas a sus guionistas.
La cuarta entrega de Heroes, titulada Fugitives, ha contado con la inestimable presencia de Zeljko Ivanek (Damages, True Blood, The Mentalist, Lost, 24) que, formando tándem con un recuperado Sylar, ha comandado la implacable caza de los especiales, imprimiendo un ritmo trepidante a la serie. En esta ocasión, los guionistas han apostado más por la acción pura y dura y han dejado en un segundo plano las metafísicas pajas mentales. El resultado ha sido bastante más entretenido que la 2ª y 3ª temporadas, y el capítulo final abre una interesante vía argumental de cara a la 5ª, que llevará por nombre Redemption.

Otra serie brillante pero liosa

sobre gente superpoderosa

presentada por

Pussy Deluxe

(mutante al margen de la ley)

Pásame el Mando

2009-05-29T11:05:00.005+02:00

Series: True Blood ( 2ª temporada)

¿Desolado por el final de temporada de tus series favoritas? Don’t worry, la HBO viene al rescate con la segunda temporada de True Blood. Sangre, sudor y sexo de la mano de Alan Ball que harán que este verano sea hot, hot, hot. Afila tus colmillos, Sookie & Co regresan el 14 de junio. Para ir haciendo boca te ofrecemos las dos primeras promos y el primer sneak peak. ¡A disfrutar!

Pásame el Mando

2009-05-26T12:03:00.011+02:00

Damages, 2ª temporada

Con la llegada del calorcito, algunas de nuestras series preferidas han llegado a su final de temporada. Algunas renqueantes, otras con altibajos y una pletórica, pero todas han contado con un capítulo final lo suficientemente eficaz como para que nos mantengamos atentos a sus siguientes temporadas.

Fue la primera en acabar, ya hace algún tiempo. La gloriosa primera temporada puso un listón que esta segunda tanda no ha podido superar, pero pese a ello, la excelente interpretación de Glenn Close hace que merezca la pena no perderse ni un solo episodio. En esta ocasión, la implacable Patty Hewes pone en su punto de mira a una poderosa empresa energética capaz de envenenar a gente con tal de aumentar su capital. Su cabeza visible es Walter Kendrick (interpretado por John Doman, un viejo conocido de The Wire), que cuenta con la colaboración de un poderoso aliado, un broker llamado Dave (Clarke Peters, otro ex The Wire), y de una eficiente y leal abogada a la que da vida Marcia Gay Harden. Se suma a la fiesta (interpretativa) William Hurt, en la piel de un científico que posee las pruebas para hundir la empresa Kendrick, además de estar relacionado con el pasado de Hewes.

Pero lo que a los fans de la serie nos interesaba, sobre todo, era ver si a la otrora inocente Ellen Parsons (Rose Byrne) era capaz de conseguir la combinación exacta de odio y sangre fría suficientes para llevar a cabo su venganza contra Patty Hewes. En el balance final de la temporada podemos decir que la cosa ha ido de menos a más, ganando intensidad según se acercaba el desenlace y la trama se centraba en la lucha sin cuartel de ambas protagonistas. El sorprendente final, con retruécano argumental incluido, deja bastante claro hacia dónde evolucionará la relación entre ambas mujeres, y sólo cabe esperar que el talento y la mala leche de Patty sigan brillando en la tercera temporada.

Otra interesante serie de lagartas

protagonizada, perdón, comentada por

Pussy Deluxe

(bicho malo siempre vuelve)

Clásicos de Hoy y de Siempre

2009-05-23T11:07:00.010+02:00

Centauros del desierto, John Ford (1956) Si hay una puerta célebre en la historia del cine, es la que abre Centauros del desierto (The Searchers, 1956), del maestro John Ford. Mientras aparecen los títulos de crédito, impresos sobre un muro de ladrillo, se escucha en off la canción de Stan Jones, The Searchers, cuyos versos comienzan a dar pistas sobre el contenido de la película. “What makes a man to wander? What makes a man to roam? What makes a man leave bed and board? And turn his back on home? Ride away... ride away... ride away...”[1]. Sobre un fondo negro aparece el rótulo Texas 1868. Desde la oscuridad siguiente, que se corresponde con el interior del rancho Edwards, una mujer abre la puerta desde dentro y la luz que penetra en la pantalla deja ver un territorio inhóspito. La mujer, Martha Edwards (Dorothy Jordan), en un hermoso contraluz del atardecer, ve acercarse a un solitario jinete, que no es otro que su cuñado Ethan (John Wayne), que vuelve tras varios años de lucha, en la guerra de Secesión primero, y en las guerras contra los indios después.
Así se inicia la película, y el hermoso recurso de la puerta se transforma en metáfora cuando el film se cierra, de manera simétrica, con otra puerta, reforzando el sentido circular de la trama. Sentado en la mecedora, Mose Harper (Hank Worden) contempla desde el porche de los Jorgensen, la llegada Ethan, Martin (Jeffrey Hunter) y Debbie (Natalie Wood). Ethan entrega a su sobrina, rescatada de los indios, a los Jorgensen. De nuevo, como al inicio, la perspectiva se sitúa en el interior de la vivienda y vuelve a sonar el tema The Searchers. La alegría del resto de los personajes por el reencuentro y el feliz desenlace contrasta con el sombrío semblante de Ethan. Los personajes, reencuadrados por el marco de la puerta, van entrando poco a poco al interior del hogar. Afuera queda Ethan, siguiéndoles con la mirada. Lentamente posa su mano izquierda en el brazo derecho[2]. Al cabo de unos instantes da media vuelta y comienza a caminar en dirección contraria a la casa acompañado de unos versos diferentes de la canción inicial: “A man will search his heart and soul, go searching way out there. His peace of mind he knows he’ll find but where, O Lord. O where? Ride away... ride away... ride away”[3]. La puerta de los Jorgensen se cierra y la pantalla vuelve a quedarse sumergida en la oscuridad. Entre estas dos puertas transcurre la gran búsqueda a la que hace referencia el título original de la película. Una búsqueda material centrada en el rescate de dos mujeres raptadas por los indios comanches y otra espiritual, la del lugar de cada uno en el contexto que le ha tocado vivir. También es el epílogo de una forma de vida que Ford admiraba profundamente y que estaba a punto de extinguirse. No hay lugar para el hombre del Oeste, el cowboy, dentro de la sociedad. Este es, por definición, un outsider y su destino es seguir cabalgando en solitario hacia el horizonte. Condenado a vagar eternamente, sin redención posible, siguiendo la senda de la espectral figura de Shane (Raíces profundas, George Stevens, 1953).
Hay imágenes de tal fuerza evocadora que mientras las (ad)miras cambia la atmósfera que te rodea, el mundo tal y como lo conocemos desaparece y los sentidos se embriagan ante la maravilla que nos es mostrada. Como si percibiéramos que estamos ante un momento único. Me ocurre ante la resurrección de Inger cada vez que veo Ordet (Carl Theodor Dreyer, 1955), y también cada vez que se abre la puerta del rancho de los Edwards. No importa cuantas veces se haya visto la película, cada vez que se abre esa puerta, se obra la maravilla y le siguen 116 minutos de gozo permanente. Hasta que se cierra la puerta del rancho Jorgensen y la oscuridad deja paso a la realidad. Dice Manuel Rivas que “si asociamos la puerta con el ojo humano, este filme, medido en intensidad, equivale a un parpadeo decisivo. Esas puertas dan paso a otra forma de ver. Es, desde luego, una vuelta de tuerca para el western, pero que trascience el género porque su revolución óptica no atañe sólo a aspectos formales sino también a una cuestión medular: el enfoque de un héroe y la visión del otro, del “enemigo”. Y así, ocurre con Centauros del desierto lo que con esos parpadeos en la historia de la mirada humana que convenimos en denominar clásicos. Que son de largo efecto. Que contienen tanta belleza como perturbación”[4].

[1] “¿Qué impulsa a un hombre a ir errante? ¿Qué impulsa a un hombre a viajar sin rumbo? ¿Qué impulsa a un hombre a abandonar lecho y mesa y dar la espalda al hogar? Cabalga sin destino... cabalga sin destino... cabalga sin destino...” En Coma, Javier. Centauros del desierto/Cantando bajo la lluvia. Libros Dirigido, Barcelona, 1994.
[2] En homenaje al fallecido actor Harry Carey, cuya esposa e hijo participaban en el film. Harry Carey fue un actor muy popular durante la primera época del cine y protagonizó decenas de westerns a las órdenes de John Ford durante la etapa silente. Uno de sus gestos característicos consistía en cogerse el brazo derecho con la mano izquierda de la forma que imita John Wayne en la película.
[3] “Un hombre explorará su corazón y su espíritu, buscará una salida en el camino. Sabe que hallará su paz interior, pero ¿dónde, Señor, dónde? Cabalga sin destino... cabalga sin destino... cabalga sin destino.” Ídem.
[4] Rivas, Manuel. El Ulises del Oeste. Diario El País, Madrid, 2005

Otra gran película clásica,

elástica y plástica

presentada por

Pussy Deluxe

(plástica, elástica y de chachara)

Biblioteca Básica de Literatura Clásica

2009-05-21T14:37:00.016+02:00

Los ojos verdes ( Marguerite Duras, 1980)

No entiendo cómo los críticos, que siempre han sido tan atentos a canonizar, a historiar y a pergeñar listas, todavía no se han tomado en serio a ellos mismos para elaborar un listado con los textos más iluminadores, influyentes o simplemente entretenidos de la historia de la crítica de cine. Podría tratarse de libros, revistas, artículos, entrevistas, conferencias. Se sabría cuáles han sido las mayores aportaciones e influencias que han tenido. Porque, ¿de qué ha servido un siglo de reflexión sobre el cine? ¿Hemos aprendido algo? ¿Qué se recordará en el futuro? Espero que un libro así, si se llega a escribir algún día, vaya más allá de Truffaut. Es decir, más allá del libro “El cine según Hitchcock” y del artículo “Una cierta tendencia del cine francés”. Porque lo contrario sería aburrir a las cabras.

El problema no es que se haya escrito mogollón sobre cine. El problema es que se ha escrito un montón sobre los mismos temas y, para más inri, de la misma y pavisosa manera. Hay tan poca originalidad en la mayoría de las libros publicados y hay tal saturación de clichés y de asquerosa abulia en la escritura, que le entran a uno ganas de maldecirlos. Abunda la bisutería cuando no la perfecta chatarra. De ahí que joyas como “Los ojos verdes” merezcan ser reconocidas.

"Los ojos verdes" es una compilación de textos de Marguerite Duras. Fue publicada por la revista Cahiers en junio de 1980. Serge Daney colaboró en la compaginación y el resultado, extraordinario, es una muestra del pensamiento fértil de Duras. Se trata de un texto firme y sugestivo que está atravesado por la prosa habitual de la autora de "Hiroshima, mon amour". "Los ojos verdes" es una sentida reflexión sobre el cine que está hecho y sobre aquel que está por hacer. Sus páginas son el reflejo de las películas que hizo Marguerite Duras y de las películas que hicieron los otros. Sus líneas son de dolor y de vida y versan sobre la literatura y el cine. Nada más lejos del verbo atento y de la mirada insobornable y por momentos chinchona de "Los ojos verdes" que esos libros-hojarasca que parecen haber sido escritos desde la imaginación más agarrada y la ignorancia más feliz.

Otra mirada insobornable

sobre un texto imprescindible

a cargo de

Lord Velasco

(verborrea irrefrenable)

El Rincón del Cinéfilo Caliente

2009-05-11T16:14:00.005+02:00

Star Trek (J.J. Abrams, 2009)

Lo reconozco: jamás me ha interesado lo más mínimo el universo Star Trek. Por eso, el enésimo intento de resucitar la franquicia creada en 1966 por Gene Roddenberry me hubiera pasado desapercibido de no ser por la presencia de J.J. Abrams, el creador de Lost. Al interés suscitado por lo que podría aportar el genio de Abrams, se unió el morbo de descubrir cómo se las arreglaría un fan de Star Wars para resucitar las andanzas de la Enterprise sin morir en el intento (a manos de los trekkies) tras confesar que nunca le gustó la serie.

Así que para mí, desde la ignorancia trekkiana, la experiencia ha sido positiva. Si de lo que se trataba era de insuflar vigor en la longeva saga, no queda duda de que Abrams ha sabido hacerlo. Esta nueva Star Trek, inteligentemente planteada como precuela, sirve de puerta de entrada a toda una nueva ola de espectadores que desconocen los avatares del capitán Kirk y su tripulación, bien por falta de sintonía o simplemente porque no habían nacido cuando empezaron. Pero además, le otorga suficiente libertad a Abrams para moverse a sus anchas y crear un origen trekkie en cuyo ADN se ha filtrado la filosofía del tándem Lucas-Campbell, responsables de un patrón que ha marcado el camino de buena parte de los héroes cinematográficos de los últimos 30 años (es imposible no sonreír ante las semejanzas de la ceremonia final que corona esta gesta con aquella que clausuraba La guerra de las galaxias). Pero Abrams y los guionistas Roberto Orci y Alex Kurtzman (trío creador de Fringe) no sólo han pensado en los neófitos, para deleite de los trekkies más veteranos han rescatado de su retiro al entrañable Spock original (Leonard Nimoy) para convertirlo en el cordón umbilical que une a esta nueva criatura con sus orígenes.

El resultado es una cinta con brío, que no decae a lo largo de sus dos horas de metraje y que combina una trama sencilla pero ingeniosa con unas escenas de acción sobrias y bien planteadas. Una aventura que, sin ser espectacular, te deja con ganas de ver la siguiente aventura de esta nueva tripulación de la U.S.S. Enterprise.

Otra película trekkie

para gente friky

degustada por

Pussy Deluxe

(absolutamente intergaláctica)

El Rincón del Cinéfilo Caliente

2009-05-09T17:05:00.007+02:00

Xcèntric Godard

El plan es ideal si te pilla por el centro de Barcelona, tienes tiempo y te gusta el cine. El Centro de Cultura Contemporánea dispone de una sala donde se pueden ver películas experimentales de autores como Jean Cocteau, Man Ray, Philippe Garrel, Jonas Mekas, Chantal Akerman, Dziga Vértov, Andy Warhol, Jean Epstein, Jean Eustache y un largo etcétera. Lo llaman el ciclo Xcèntric. El sitio no tiene desperdicio: subiendo a la primera planta te encuentras con una sala que tiene una pantalla donde se ve un menú con las películas disponibles. ¡Se trata de una programación a la carta! Y lo mejor de todo es que los asientos que puedes coger son sillones orejeros. Así da gusto.
La otra tarde, teniendo en cuenta que me pilló por el centro de Barcelona, que tenía tiempo y que me gusta el cine, me metí en la sala Xcèntric con ganas de consultar la carta. Después de apoltronarme en un sofá, me decidí por dos títulos de Jean Luc Godard que desconocía: “L’origine du XXIème siècle” (2000) y “Scénario du film Passion” (1982). Son dos trabajos de corta duración (16 y 54 minutos respectivamente) pero que tienen, como así esperaba, un efecto duradero.
“L’origine du XXième siècle” se puede considerar un apéndice a la monumental “Histoire(s) du cinéma”. Como en esa serie, Godard mezcla historia, cine y memoria personal para dar cuenta del siglo que empieza (bajo el signo de la guerra, para variar) a partir de un montaje audiovisual basado en fotografías, fragmentos de noticiarios y pedazos de films del siglo precedente. El montaje, como siempre, es impresionante y no sólo por su magnífica técnica sino por la ametralladora de ideas en que lo convierte Godard. Nadie mejor que él (como diría el crítico Alain Bergala) representa el cine experimental y no deja de ser curioso que sus trabajos hayan acabado en los catálogos de los museos cuando él siempre los consideró como cine.

“Scénario du film Passion” tiene más interés: segundo de sus ensayos, de sus personalísimos making off sobre sus propios films (después de “Scénario de Sauve qui peut la vie” (1979) y antes de “Petites notes à propos du film Je vous salue Marie” (1983)), Godard reflexiona sobre cómo escribió el guión de la película “Passion” filmada ese mismo año. ¿Qué es un guión?, se pregunta. Es espectacular la manera en que Godard plantea, duda, gesticula, pontifica y se entretiene en digresiones. Su pensamiento es torrencial y utiliza un lenguaje corporal digno de un fascinante brujo. Tiene razón Colin McCabe, autor de un excelente estudio sobre el autor de "Le mépris", cuando afirma que Godard nunca podrá ser considerado un gran narrador a la manera tradicional pero sí como el mayor ensayista y uno de los mayores poetas que ha dado el cine en su historia.

Otra propuesta excéntrica

para cinéfilos analíticos

expuesta por

Lord Velasco

(excéntrico periférico)

Pásame el mando

2009-05-08T13:05:00.004+02:00

Firefly, un caso de justicia poética

Hay gente que desde su más temprana edad dividió a sus amigos entre trekkies y seguidores de Star Wars. Son los mismos que flipaban con el escote de Diana[1] aunque no compartieran sus gustos culinarios. Aquellos que soñaban con pilotar un Viper junto a Apollo y a Starbuck[2], que descubrieron toda clase de alienígenas a bordo de la Moya[3] y visitaron mundos sin fin a través de la Stargate[4]. Son los que se preguntan muy seriamente si su jefe no será un Cylon[5] aunque tenga la pinta de un embajador Centauri[6]. De entre ellos, también hay algunos que con emoción contenida son capaces de canturrear la letra de Ballad of Serenity[7], el tema que Joss Whedon[8] compuso para los títulos de crédito de su serie Firefly.

Si perteneces a estos últimos, puedes saltarte el texto que sigue y pasar directamente a disfrutar con el video del final. Si no es así, permíteme unos minutos de tu tiempo para explicarte las razones por las que no puedes perderte una de las mejores series de ciencia ficción de la historia de la televisión.

Firefly es un western espacial que cuenta las aventuras del capitán Malcolm Reynolds y su tripulación de renegados a bordo de la Serenity, una nave clase Firefly tan maltrecha como entrañable. Estamos en el año 2517. Los recursos de la Tierra hace tiempo que se agotaron y los seres humanos se vieron empujados a colonizar la galaxia. En un momento dado, las dos grandes potencias terrestres, EE.UU. y China, formaron la Alianza y quisieron someter a todos los planetas bajo su gobierno, lo que condujo a una cruenta guerra. Como resultado, los rebeldes, entre los que se encontraba Reynolds, no tuvieron otro remedio que exiliarse, como sus antepasados confederados, a los límites de la civilización, que en pasado era el salvaje Oeste y ahora son los planetas periféricos, en los que la influencia de la Alianza es menor. Reynolds cuenta con una variopinta tripulación que incluye a Zoe, una valiente veterana de guerra; su esposo Wash, que pilota la nave; Jayne, un mercenario dispuesto a lo que sea con tal de que la paga sea buena; la siempre optimista Kaylee, encargada de mantener en vuelo la Serenity; e Inara, una hermosa acompañante, mezcla de cortesana y geisha, que contra lo que pueda parecer, resulta que da prestigio a la nave. Su ya de por sí precaria existencia se complica aún más el día que deciden aceptar a bordo a un peculiar pastor y, sobre todo, a un joven médico y a su superdotada hermana, a la que ha conseguido liberar de las garras de la Alianza.

Es imposible ver Firefly y no quedar prendado de la serie. De su estupendo casting, de unas tramas rebosantes de aventuras y unos guiones repletos de ingenio y buen humor. Porque en Firefly, aunque los efectos especiales fueron galardonados con un Emmy, lo importante son los personajes y sus vicisitudes. Pero además, esa mezcla de western clásico y ópera espacial (que tan bien le funcionó a George Lucas), convierten a Firefly en una pequeña obra de culto llamada a convertirse en todo un clásico del género.

Pese a ello, la Fox estrenó la serie en EE.UU. a finales de 2002 y la canceló tras emitir tan sólo 11 de los 14 capítulos que componían la primera temporada. Y entonces se obró el milagro. Los fans empezaron a organizarse y crearon cientos de páginas web de apoyo, lo que provocó que su edición en DVD se convirtiera en un éxito de ventas. Poco tiempo después, la Universal ofreció a Whedon llevar el universo Firefly a la gran pantalla y, como resultado, Serenity se estrenó en los cines en 2005. Hoy en día, sólo hace falta darse un paseo por YouTube o por la red (http://www.fireflywiki.org/, http://still-flying.net/, http://www.fireflyfans.net/, http://www.browncoats.com/) para comprobar que los casacas marrones, como se autodenominan los seguidores de la serie, siguen estando muy activos. ¡Larga vida a la rebelión!

Por Pussy Deluxe

(Peliculera interespacial)

[1] La mala de V que comía ratas
[2] Los protagonistas de aquella Galactica: Estrella de combate (1978)
[3] La nave biomecanoide de Farscape
[4] La puerta a las estrellas de Stargate: SG-1
[5] Los malvados robots de Battlestar Galactica (2004)
[6] Como Londo Mollari, el ambicioso embajador de los Centauri en Babylon 5
[7] Take my love, take my land;Take me where I cannot stand;I don't care, I'm still free;You can't take the sky from me;Take me out to the black,Tell them I ain't comin' back; Burn the land and boil the sea;You can't take the sky from me;There's no place I can be; Since I found Serenity;But you can't take the sky from me…
[8] creador de Buffy, cazavampiros y Angel

El Rincón del Cinéfilo Caliente

2009-05-06T15:13:00.010+02:00

Ponyo en el acantilado (Hayao Miyazaki, 2008)

Para un niño el misterio no tiene explicación: el misterio es. Los niños son seres religiosos sin dogma, lo que les hace creer convencidos en la existencia real de dragones, brujos, hechizos, tesoros, piratas, hadas, fantasmas, duendes, vampiros y ogros. ¿Será por esa capacidad para creer por lo que Jesús dijo aquello de que “Dejad que los niños se acerquen a mí”?

En “Ponyo en el acantilado” hay un momento maravilloso: el niño Sosuke sale a la calle después de que un tsunami haya barrido el acantilado en el que vive y lo hace acompañado por la niña-pez que da nombre al título. “¿Has visto? El agua llega hasta la puerta”, dice él. Al segundo, los dos meten la cabeza en el agua y empiezan a ver animales extraordinarios. “Son criaturas del Devónico”, comenta Ponyo. Después de un breve silencio Sosuke se acuerda de su madre, que ha pasado la noche fuera, y decide reunirse con ella. Es memorable la forma en que Sosuke y Ponyo reaccionan con total normalidad ante un paisaje hecho de tsunamis, de olas que tienen ojos, de brujos salidos del mar y de animales extinguidos. Todo es posible en la infancia. Sobre todo, lo imposible.

Llegado a ese punto, “Ponyo en el acantilado” se convierte en la experiencia imprevisible y casi indefinible que suelen ser las películas de Miyazaki. Sus relatos siempre toman un camino tan insospechado como desconcertante. Desconcertante si se considera la línea recta como la mejor forma de contar una historia. En Miyazaki, la historia nunca es recta: está llena de asombrosos giros y de momentos que carecen de explicación causal. En sus relatos, el único compromiso es el de la fantasía.

Con la historia de la niña-pez que quiere convertirse en humana después de haber probado la sangre del pequeño Sosuke Miyazaki recupera la aparente sencillez de uno de sus títulos más emblemáticos, “Mi vecino Totoro”, después de haber firmado dos películas tan apabullantes como agotadoras. Para esa recuperación, opta por una animación tradicional basada en la técnica de la acuarela sin olvidar por ello su virtuoso sentido del detalle. Pródiga en escenas inolvidables (como el inicio, epatante; la secuencia del tsunami, donde Ponyo cabalga sobre las olas con el apoyo musical de una cita de Wagner; la conversación amorosa de los padres de Sosuke; el detalle de las medusas que flotan entre los árboles del pueblo anegado…), “Ponyo en el acantilado” es la prueba de que Miyazaki pertenece a esa clase de artistas que a veces prefieren mirar al pasado para seguir descubriendo el futuro.

Otra película fascinante

a la par que delirante

recomendada por

Lord Velasco

(el cuerpo del delirio)

El Rincón del Cinéfilo Caliente

2009-05-04T16:14:00.005+02:00

X-Men Orígenes: Lobezno (Gavin Hood, 2009)

Si algo no me había ocurrido hasta ahora con Hugh Jackman es quedarme indiferente. He tenido altibajos, lo reconozco: del coma diabético por el exceso de azúcar de Kate & Leopold; a la empanada mental de The Fountain; pasando por la decepción de The Deception (aquí traducida como La Lista); el aburrimiento de Van Helsing; las fantasías desatadas por las patillas de Logan en X-Men; o el shock por el exceso hormonal de Australia; sin olvidar el gustazo de su actuación en las ceremonias de los Oscar y los Emmy; o su interesante exploración del lado oscuro en El truco final y Scoop, la carrera de este chico da para las más variadas sorpresas. Hasta ahora, que la apatía se apodera de mí tras visionar la esperada X-Men Origins: Wolverine.

Indiferencia ante una trama que olvidas tan buen punto abandonas la sala; ante un guión de frases acartonadas y escenas insulsas; ante unas peleas planas con estética de videojuego y ante los publicitados músculos del chico, que según cuenta le han costado un año de rigurosa dieta y entrenamiento. Que digo yo, que si hubiera invertido la mitad de ese tiempo buscando a un buen guionista y a un director más apropiado, otro gallo nos cantaría a todos. Porque vamos a ver, si resulta que haces una película para descubrir los orígenes del mutante más carismático de la factoría X-Men y resulta que el momento en el que el héroe encuentra dos elementos clave de su imagen iconográfica, como son la chupa de cuero y la moto, la escena te recuerda al Superman que Richard Donner rodó hace 31 años, tienes un problema.

Pero lo peor de todo, el pecado imperdonable, es haber convertido aquel Lobezno que paseaba su chulería socarrona por las pelis de Bryan Singer en un poñoñi capaz de vivir en la casita de Heidi, dejarse tomar el pelo por su hermano, por Stryker y hasta por la maestrilla del pueblo, y de aburrir incluso a la luna con sus cuentos mitológicos de andar por casa. Para este viaje, hubiera sido preferible no desvelar el enigmático pasado de Logan, ese que convertía al personaje en un ser frustrado y atormentado por no conocer su origen, y a la vez lo envolvía de un halo de misterio y rebeldía. Un personaje de su carisma y potencial se merecía más.

Otra película tontorrona y delirante

destripada por nuestra mutante

Pussy Deluxe

( lengua de adamantium)

El Rincón del Cómic Mutante

2009-04-28T10:13:00.010+02:00

El último gran viaje de Olivier Duveau ( Jali, 2009 )

Si algo nos caracteriza a los miembros de Un lugar llamado deseo es el fanatismo empedernido. Desde John Ford a Federico Fellini, pasando por Alfred Hitchcock, Walt Disney, Kylie Minogue, Pet Shop Boys, las pelis de terror, los clips de Playmobil, la editorial Valdemar, la casa Marvel, la librería La Central o el chismorreo semanal, nuestra lista de fetichismos es generosa. Entre nuestros vicios más queridos se encuentra la editorial Astiberri y su catálogo jugoso.

Perla de ese catálogo es “El último gran viaje de Olivier Duveau”, la última obra publicada por el autor pamplonés Jali. Se trata de un gran viaje, como advierte el título: el que vive Olivier Duveau, un peculiar personaje que, desde la cuna a la tumba, sueña con alcanzar las estrellas y el no menos intenso viaje en el que se ve metido el lector, que acabará boquiabierto por la generosa imaginación del autor. Se trata de una historia tan apasionante y está dibujada con tanto ardor que la sombra del poñoñismo ilustrado, acechadora de algún bocadillo, se disipa fácilmente.

“El último gran viaje de Olivier Duveau” se recordará por su capacidad alquímica de conmover y por la sorpresa final que incluye, la historia corta “El niño con más fuerza del mundo”, hecha de pocas páginas tan rotundas como memorables.

Otra historia surrealista

con firma de gran artista

leída y disfrutada por

Lord Velasco

(de gusto sencillo)

2009-04-26T10:47:00.005+02:00

Sounds of the Universe ( Depeche Mode, 2009)

19 años no son nada cuando se es una secuoya milenaria, pero son una eternidad cuando eres un fan de Depeche Mode. Porque una eternidad es lo que ha transcurrido desde aquel lejanísimo 1990 en el que publicaron el que probablemente sea su mejor disco y uno de los más importantes del género de la música electrónica: me refiero a esa maravilla titulada "Violator". A partir de ahí vinieron cuatro discos irregulares y una docena de grandes canciones ("In your room", "It´s not good", "Home", "Precious",...) que me permitieron transitar por el semidesierto creativo de la banda con mi fe en ellos intacta.

Porque 19 años es lo que han tardado Depeche Mode en publicar un disco a la altura de lo que de ellos se espera. Y no es que esté a la altura de sus grandes trabajos pero, desde luego, de lo que no cabe duda es que "Sounds of the Universe" es un disco buenísimo. Buenísimo porque no tiene ninguna canción mala, aunque las tres compuestas por Dave Gahan ("Hole to feed", "Come back" y "Miles away / The truth is") se acercan peligrosamente al abismo. Buenísimo porque no tiene ningún tema sobresaliente que haga parecer peores al resto de canciones. Buenísimo también porque es un disco tan regular que hace que las canciones fluyan a través de él como si de un único tema se tratase. Y porque el bloque formado por "Wrong","Fragile tension", "Little soul", "In sympathy" y "Peace" es una exhibición de sintetizadores analógicos, samplers y efectos de voz, que no hace más que constatar que Depeche Mode siguen estando en la vanguardia de la música electrónica.

A pesar de que el uso predominante de instrumentos analógicos hace que el disco tenga una sonoridad cercana a la música electrónica de los setenta y primeros ochenta, con un toque entre psicodélico y metálico, el primer single de "Sounds of the Universe", "Wrong" suena más cercano al rock industrial que tan bien dominan y nos retrotrae a su mejor etapa de los 80´s, de hecho recuerda bastante a "A question of time" pero más lenta. El vídeoclip, de factura impecable, también sigue la linea de otros anteriores, coche incluido (sólo recuerdo un par de vídeos del grupo donde no salga un coche) y te deja con ganas de tirarte por la ventana después de ver el final. Podríamos pedirles un poquito más de alegría, pero entonces ya no serían Depeche Mode.

Otro discazo recomendado

por tu amante sado

Pepe Lucón

(más asado que sado)

El Rincón del Cinéfilo Caliente

2009-04-25T11:14:00.007+02:00

The International: Dinero en la sombra (Tom Tykwer, 2009)

Comienza la función. Como si de un prestidigitador se tratase, la penetrante mirada de Clive Owen se clava en el espectador. Los mismos ojazos verdes que te sostienen la mirada justo antes del epílogo de los títulos de crédito. Entre ambos gestos, el mejor thriller de acción desde El ultimátum de Bourne. Dos horas de trama trepidante, casting perfecto y buen guión. Para disfrutarla a tope siempre y cuando tus compañeros de sala recuerden que están en un cine y cierren el pico, cosa cada vez más improbable.

Louis Salinger, el agente de la Interpol con nombre de resonancias literarias al que da vida Owen, está decidido a llevar ante la justicia al quinto banco más importante del mundo. Tarea complicada cuando todo aquel que se interpone en sus negocios es convenientemente eliminado y sólo cuentas con la ayuda de una tenaz Fiscal de Distrito (Naomi Watts) y los pocos policías que estén dispuestos a jugarse el puesto para echarte una mano. Si empresas como Massive Dynamics (Fringe) hacen que se te erice el bello de la nuca, espera a ver la miríada de actividades ilegales que esconde tras sus oficinas de diseño el International Bank of Business and Credit (IBBC), cuyos tentáculos se extienden por medio mundo. Su culpabilidad es flagrante, pero he aquí el dilema, ¿Puede un hombre honrado enfrentarse a una corporación millonaria en una sociedad en la que el dinero pesa más que la justicia?

La sólida realización de Tom Tykwer (Corre, Lola, corre, El perfume) y, sobre todo, el talento de Clive Owen consiguen que el espectador no se pierda por los vericuetos de una enrevesada trama que tiene pocas escenas de acción espectacular –como la que acontece en el museo Guggenheim de Nueva York-, pero que es capaz de mantener la tensión hasta el final. Lo único negativo viene cuando tras el visionado del film, tal y como está el patio, te preguntas si lo único ficticio del guión de Eric Warren Singer no será precisamente la existencia del héroe protagonista.

Otra película entretenida

recomendada por vuestra amiga

Pussy Deluxe

(vestida para espiar)

El Rincón del Cinéfilo Caliente

2009-04-20T09:51:00.009+02:00

DÉJAME ENTRAR (Tomas Alfredson, 2008)

Sin duda, la mejor película de vampiros que yo haya visto desde que Abel Ferrara pusiera a una doctoranda en Nietzsche a pegar mordiscos por Nueva York. “Déjame entrar” no se acoge ni al canon ni a la fuga sino que mezcla con habilidad los dos: por un lado, respeta el mito del vampirismo transmitido por la literatura y el cine pero lejos de recurrir a la cita o a la enésima revisión de los clásicos propone una renovación del mismo sin caer en la petardez.

Hay vampiros de verano y vampiros de invierno. Los vampiros de verano destacan por su glamour, por la capa carmesí que arrastran, por la forma en que sudan y jadean, por la manera en que enseñan los colmillos y por la satisfacción con que los clavan. Los vampiros de invierno, en cambio, no parecen disfrutar con su condición de criaturas de la noche. Antes bien, parecen resignados a sufrirla. Viven con la muerte de los demás y desde la soledad de sí mismos. Eli, la pequeña vampira de “Déjame entrar” (nada que ver con la creación de Angela Sommer-Bodenburg), es la vampira más glacial que haya pisado nunca una pantalla.

Dirigida por Tomas Alfredson a partir de una novela de John Ajvide Lindqvist, “Déjame entrar” es la película que mejor ha tratado el tema de la soledad del vampiro. Parece ser que ese fue el aspecto que más llamó la atención de Alfredson junto a la descripción del protagonista: introvertido, timorato, acosado por sus compañeros de escuela, hijo de divorciados y vecino de un barrio de Estocolmo sobre el que no deja de caer la nieve y la tristeza, Oskar es un adolescente que se siente atraído por su enigmática vecina. Son dos seres que se reconocen en su hiriente soledad. Alfredson transmite admirablemente la tristeza que les envuelve.

A veces hace falta una mirada ajena para ver con claridad. A pesar de que, según sus propias palabras, nunca ha mostrado el menor interés por el género fantástico, Tomas Alfredson no se muestra menos habilidoso a la hora de filmar las escenas de terror que a la hora de plasmar con convicción los elementos que más le atrajeron de la novela de Linqvist, desde el tema del acoso escolar a la descripción de un entorno social degradado. Alfredson filma las escenas violentas con una austeridad brutal. Con frecuencia, mantiene la cámara estática y a una larga distancia de los personajes. Y esa larga distancia, junto al inmovilismo del plano, hace que la violencia se convierta en insoportable.

Otra excelente película de vampiros

recomendada por

Lord Velasco

(vampiro de medio pelo)

Clásicos de Hoy y de Siempre

2009-04-19T11:18:00.005+02:00

Fantástica Serie B

He aquí dos peliculitas que jamás figurarán en ninguna antología del género fantástico pero que disfrutan de un pequeño nombre entre los aficionados por tratarse de dos auténticas anomalías cinematográficas en el contexto de la época que se realizaron. Me refiero a los primeros años 80. Por aquella época los modelos a imitar eran otros: o bien la superproducción de ciencia ficción que habían puesto de moda George Lucas y Steven Spielberg o bien el cine de psicokillers que buscaba repetir los éxitos de, entre otras, “La matanza de Texas”, “La noche de Halloween” y “Viernes 13”. Es decir, la serie A miraba a la ciencia ficción y la serie B tiraba de la casquería.

“Q. La serpiente voladora” y “Muertos y enterrados” son dos muestras de cine pequeño pero de imaginación regocijante.

La primera, de bello título, fue dirigida por Larry Cohen en 1982. Posiblemente se trate de su película más duradera, una inesperada bizarría sobre la aparición del dios azteca Quetzacoatl que, bajo la piel de un reptil volador, siembra el pánico entre los habitantes de Nueva York a los que gustosamente se zampa. Como en todo film de bajo presupuesto, la acción se mete en el ajo al momento. Y, aunque los personajes son un poco penosos, las imágenes del bicharraco sobrevolando Nueva York se clavan en la retina. Tienen el encanto mágico de las criaturas de Ray Harryhausen.

Aparentemente menos vistosa pero de guión mucho más interesante es la película que Gary Sherman dirigió en 1981 con el título, asimismo bello, de “Muertos y enterrados”. El libreto fue escrito por Dan O’Bannon y Ronald Shusett, espléndido tándem de guionistas que acababa de firmar la inolvidable “Alien” y que, también por aquellas fechas, ultimaba la escritura de una película que tardaría casi una década en ver la luz: “Desafío total”. O’Bannon y Shusett se sacaron de la manga un relato apasionante ambientado en un pueblo atestado de zombis en una época en la que los muertos vivientes, cinematográficamente hablando y dejando aparte la cabezonería de George Romero, llevaban años enterrados en el olvido. Aquí se desentierran con discreción y elegancia –nada que ver con el triperío habitual- y traen consigo una memorable pirueta de guión que, muchísimos años después, sería recordada por el Shyamalan de “El sexto sentido” y el Amenábar de “Los otros”.

Otra muestra de arqueología cinéfila

sin base científica

a cargo de

Lord Velasco

(de estirpe artística)

Pásame el mando

2009-04-17T10:11:00.014+02:00

The No 1 Ladies Detective Agency

No conduce un Ferrari ni vive en Hawai, como hacía Magnum. Ni tiene el cinismo ni la penetrante mirada azul del Harper al que daba vida Paul Newman. Ni tiene la lengua afilada y el corazón proclive a ayudar a enigmáticas damas en apuros como le ocurría a Sam Spade. Mma Precious Ramotswe es negra, de silueta oronda y vive en África. Pero tiene algo en común con todos los varones anteriores, ella también es detective privado. De hecho, Mma Ramotswe es la única mujer detective de Botswana y regenta la 1ª Agencia de Mujeres Detectives en su capital, Gaborone. Un negocio que fundó con lo que obtuvo con la venta del ganado de su padre. No posee más que un coche destartalado, una vieja máquina de escribir, dos escritorios, un teléfono, una tetera y tres tazas: una para ella, otra para su secretaria y una tercera para el cliente. Pero armada de buen humor, intuición e inteligencia está dispuesta a ayudar a sus clientes a resolver los misterios que surgen en sus vidas.

Esa es la premisa de la nueva serie de la HBO (cadena a la que nunca estaremos suficientemente agradecidos), The No. 1 Ladies Detective Agency, que fue también el último proyecto de los ya fallecidos Sidney Pollack y Anthony Minghella (ambos productores ejecutivos y el segundo, además, director del capítulo piloto). La serie, que consta de seis capítulos de 60 minutos cada uno, es la adaptación televisiva de la saga de novelas escritas por Alexander McCall Smith y que en España han sido editadas por Punto de lectura.

Sólo he visto los dos primeros capítulos y la serie está bastante bien pero no mata. Aunque es difícil estar a la altura de las obras a los que nos tiene acostumbrados la HBO (Los Soprano, The wire, A dos metros bajo tierra, In treatment, True blood). Lo mejor es el cambio de paisaje. Se agradece dejar la típica ciudad estadounidense para explorar las polvorientas carreteras, los concurridos mercados y, sobre todo, las distintas costumbres de unas gentes y una cultura que nos son desconocidas. Aquí, si un hombre desaparece es más probable que se lo haya comido un cocodrilo que que haya caído en manos de unos secuestradores, para que os hagáis una idea. Así que las aventuras de Mma Ramotswe, que interpreta la ganadora de un Grammy Jill Scott, pueden servir para olvidarnos de tanto C.S.I. y descubrir cómo se hacen las cosas por otros lares.

Otra novedosa serie feminista

que nos trae nuestra dura cronista

Pussy Deluxe

(dura y sin armadura)

Pásame el Mando

2009-04-13T09:40:00.009+02:00

"Física o Química", tercera temporada

Los fans de las series de ciencia ficción estamos de enhorabuena: la serie más sorprendente de los últimos tiempos regresa a las pantallas. Sí, queridos amigos, cuando todavía no nos habíamos sobrepuesto a los espeluznantes hechos con los que terminó la segunda temporada, Antena3 ha decidido poner fin a esta semana Santa de pasión y agua con la emisión del primer capítulo de la tercera temporada de "Física o Química", metáfora nada sutil de ¿follamos o nos drogamos?.

A la momentánea baja de Isaac, que murió en el último capítulo pero que, en vista de la imaginación de los guionistas (yo, de mayor, quiero ser uno de ellos), no me extrañaría que viniese del más allá para tirarse a su profesora de filosofía en plan "Ghost", se unen la de Jan y la, más que probable, de Cova, que dejará el curso a la mitad para irse vete a saber tú dónde. Y eso es lo fascinante de esta serie: cómo, constantemente, los guionistas (¿he dicho ya que los adoro?) se saltan las normas más elementales para el buen funcionamiento de un instituto para adecuar el espacio físico a la trama que están contando: alumnos que entran y salen de clase cuando les da la gana, lavabos de un sexo concurridísimos por alumnos del sexo contrario, directores que expulsan a profesores como si de los dueños del centro se tratasen o alumnos que se matriculan y desmatriculan en mitad de curso como quien decide apuntarse o darse de baja del gimnasio.

Así las cosas y para que la acción no decaiga, esta tercera temporada arranca a lo grande: la directora pariendo en un coche, una agresión racista, un botellón calentón en casa de un alumno, un comentario de texto (¡por fin se les ve currar!), uno que se rapa la cabeza en los lavabos del centro y hasta un mensaje nada subliminal en contra de la piratería y a favor del cine (basura) español. También destacan las nuevas incorporaciones, a cual más extravagante: Violeta, la sobrina de Irene (la profe liada con Isaac) que llega a casa de su tía vestida de payasa (literalmente) y llorando desconsolada porque en su insti no la aceptan tal y como es; Quino, un nuevo alumno, supuestamente guapo, del que se quedan prendados el gay (Fer) y la putilla (Yoli), que es un poco beato y cuya mayor afición es cantar en la iglesia (esto pinta genial); Alma, también nueva alumna, una chica raruna donde las haya, que se dedica a sacar fotos a todo el mundo para inventarse un pasado y a calentarse con todo bicho viviente, sea tío o tía, que esté a menos de dos metros de ella; Lucía, nueva novia de Julio, ex de Cova, que proviene de un colegio de monjas y es una verdadera arpía: homófoba, racista y en constante estado de celo; Berto, el hermano expresidiario de Yoli, que llega al centro para trabajar de camarero en el bar con el fin, más que previsible, de tirarse a alguna profesora (yo apuesto por Blanca, la rubita que sufría vaginismo muy al principio de la serie); Y por último, Martín Agilar, nuevo profesor de tecnología, psicopedagogo y accionista del centro (vamos que no le falta de nada), como además es interesante seguro que alguna madurita profesora se colará por él.

En fin, una buena excusa para pasar un ratito de lo más delirante mientras recuerdas con amargura lo sosos que fueron tus años de formal estudiante.

Otra serie de estudiantes

para mentes delirantes

recomendada por

El Hombre de las Gafas

(eternamente adolescente)

El Micrófono Caliente del Sádico Indecente

2009-04-11T18:39:00.008+02:00

"Junior", Röyksopp

Hacer música electrónica de calidad a la vez que accesible al gran público y bailable sin caer en el chunda chunda es un arte que muy pocos dominan. Los noruegos Röyksopp son uno de ellos y así lo dejan patente en su último disco: "Junior". Si Pet Shop Boys han creado escuela por su maestría a la hora de acercar la música pop a la electrónica, Röyksopp demuestran en "Junior" su virtuosismo para dar a la música electrónica un aire pop.

El pasado mes de marzo, tras cuatro años de silencio, salía a luz su tercer álbum: "Junior", un disco que cuenta con la colaboración en las voces de Karin Dreijer Andersson, Lykke Li y Robyn, tres de las divas más modernis del pop nórdico. Compuesto por 11 temazos, "Junior" se revela como una clase magistral de música electrónica que evoluciona desde los temas más bailables con los que comienza hasta los últimos temas, mucho más tranquilos, sin que en ningún momento se pierda la armonía musical del disco.

Los cuatro primeros temas forman la primera parte del disco: la más bailonga y, para mí, mejor. Temas como "Happy Up There" ,primer single, "The Girl and the Robot", auténtico quemapistas interpretado por Robyn, o "This Must Be It", la mejor canción, interpretada por Karin Dreijer Andersson, hacen que no puedas evitar ponerte a bailar. La segunda parte, algo más tranquila, estaría formada por los cuatro temas siguientes de entre los que destaca "Tricky Tricky", otra vez con voz de Karin Dreijer Andersson. Con "Silver Cruiser" y "Miss It So Much", con Lykke Li , llega la parte más relajada del disco, que acaba subiendo un poco de ritmo gracias a "It´s What I Want", última canción del álbum.

Otro aspecto a destacar de Röyksopp es la calidad y originalidad de sus videclips. Para el de "Happy Up There" han contado con la dirección de Reuben Sutherland, que resucita a los Space Invaders para que invadan la ciudad.

Y como muestra de videoclip genial, os dejo con el del tema "Remind Me" que en 2002 ganó varios premios.

Otra muestra de retórica musical

para que te sientas fatal

pertrechada por

Pepe Lucón

(pertrechado para la ocasión)

Clásicos de Hoy y de Siempre

2009-04-10T12:10:00.007+02:00

Nostalgia, Andrei Tarkovsky (1983)

Tarkovsky consideraba “Nostalgia” como la película que mejor le expresaba. Y lo cierto es que el plano final de esta imborrable película aglutina la mayoría de las obsesiones de su cine: un hombre, sentado en la tierra frente a un pequeño charco, mira directamente a la cámara. A su lado hay un perro. La cámara retrocede en un lentísimo travelling que acaba mostrando un paisaje. La tierra es húmeda, umbría. Empieza a llover a raudales. A lo lejos, hay una casa que está rodeada de los restos de piedra de una edificación (¿religiosa?). Es difícil encontrar en la obra de Tarkovsky un plano que recoja al mismo tiempo tal cantidad de leit motivs (el hombre, el perro, la tierra, el agua, la casa, el paisaje, las ruinas) mostrados, además, bajo las credenciales estéticas del autor de “Stalker”: travelling lento, ralentí imperceptible, color desvaído.

Algún significado tiene que haber detrás de tanta insistencia en los mismos motivos pero lejos de imponer una única lectura -la mía- me interesa apuntar que nadie como Tarkovsky ha filmado el agua con tanta fuerza. De todas sus obsesiones me parece la más atractiva. El agua es omnipresente en su cine. Tarkovsky la convierte en testigo y protagonista del mundo. Con preferencia se trata de lluvia y de aguas poco profundas, como charcos, estanques y riachuelos, corrientes que reflejan la mirada del hombre. En su cine, el agua nunca es pura ni aparece sola: no hay lluvia sin hombres a los que bañe, no hay charco sin hombre que en él se adentre y no hay corriente sin vestigio. El agua remite siempre a la conciencia y al recuerdo. Visto así, ¿resulta extraño que Tarkovsky se sintiera atraído por el océano pensante que Stanislaw Lem describió en “Solaris”?.

¿Qué es la nostalgia para un alma rusa?. La respuesta a esa pregunta la dio Tarkovsky, con la ayuda del magnífico guionista Tonino Guerra, en este film hechizador y apasionante. Un poeta, llamado Andréi Gorchákov, viaja junto a su intérprete por la Italia más misteriosa que nunca se ha visto en el cine: una Italia brumosa y grisácea, siempre encapotada por las nubes y la niebla. Andréi y Eugenia se alojan en el hotel de un pequeño pueblo llamado Bagno Vignoni donde conocen a un singular vecino llamado Domenico. Andréi se siente atraído por él y por el extraño proyecto que le propone. Domenico le dice que, para poder salvar al mundo, debe cruzar la piscina que hay junto al hotel llevando una candela en la mano. Después de una serie de angustiosos sueños sobre su pasado en Rusia, Andréi regresa a Roma con la intención de dejar el país pero allí se entera de que Domenico se ha suicidado. Arrepentido, Andréi vuelve a Bagno Vignoni para cumplir el proyecto. Cuando lo logra, muere.

Es difícil transmitir en un puñado de líneas el poder de conmoción y el lirismo que atesora la cámara de Tarkovsky. Su cine duele. Películas como “Andrei Rublev” y “Stalker” acaban dejando herida. Y aunque “Nostalgia” no está a la altura de ellas tiene un puñado de imágenes imperecederas.

Si las películas de Tarkovsky terminan dejando herida es porque ellas también nacieron de una dolorosa herida. Las dos últimas que dirigió, “Nostalgia” y “Sacrificio”, incluyen dos despedidas y dos dedicatorias: la primera fue rodada en Italia durante el exilio que le alejó de Rusia, de una Rusia que se oponía a su manera de entender el cine, y fue dedicada a su madre. Y en “Sacrificio”, rodada en Suecia con el apoyo económico del actor Erland Josephson, Tarkovsky se despedirá de la vida con unas palabras finales a su hijo que aparecen superpuestas a la única forma de agua que su cámara no había filmado todavía: la del infinito mar.

Otra imprescindible película deprimente

para sufrir amargamente

recomendada por

Lord Velasco

(100% nostálgico, cinéfilo y antidiurético)

Biblioteca Básica de Literatura Clásica

2009-04-08T10:59:00.006+02:00

“Ardores de agosto”, de Andrea Camilleri (Editorial Salamandra).

“Un hombre que en los tiempos que corren vive en un país civilizado como el nuestro (es un decir), si oye en pleno sueño unos cañonazos, está claro que los confunde con los truenos de un temporal, las tracas de las fiestas del santo patrón o el desplazamiento de unos muebles por parte de esos cabrones del piso de arriba, y sigue durmiendo como si tal cosa. En cambio, el sonido del teléfono, la melodía del móvil, el timbre de la puerta, eso no, ésos son ruidos de llamadas ante las cuales el hombre civilizado (es un decir) no tiene más remedio que emerger de las profundidades del sueño y contestar.”

Así comienza “Ardores de agosto”, de Andrea Camilleri, la decimocuarta entrega que el escritor siciliano (Porto Empedocle, 1925) ha dedicado a su comisario Montalbano. Una novela brillante, como sus predecesoras, no apta para aquellos que no se dignan a leer novelas policíacas por considerarlas un mero pasatiempo repleto de enigmas.

En “Ardores de agosto” Salvo Montalbano deberá resolver un crimen cometido seis años atrás. Un caso complicado que no sólo arruinará las vacaciones de Salvo con su amada Livia, sino que asestará tal golpe a su autoestima que hará que el otrora seguro y socarrón comisario se sienta más viejo y más vulnerable que nunca. A su alrededor, los secundarios habituales: el cumplidor Fazio, el desastroso Catarella, el gruñón doctor Pasquano, la hacendosa Adelí, el lujurioso juez Tommaseo… siempre dando el contrapunto cómico a las sórdidas investigaciones de Montalbano.

Y como siempre, tras leer la novela en un suspiro y haber gozado con cada una de sus 251 páginas, te das cuenta de que una vez más Camilleri ha obrado el prodigio de hacernos reflexionar sin apenas darnos cuenta de asuntos tan serios como las evidentes relaciones entre el mundo de los negocios, la política y la mafia; de la deplorable situación de la justicia en nuestra sociedad; del tan habitual como imparable fraude inmobiliario; de la corrupción y la doble moral en la que vivimos inmersos; de nuestra falta total y absoluta de respeto al medio ambiente; de lo difícil que es ser honesto y actuar de forma consecuente; e incluso de lo complicado que resulta aceptar que te estás haciendo viejo. Todo ello sin el menor atisbo de pedantería, de la forma más natural.

Escribió Manuel Vázquez Montalbán (en cuyo honor bautizó Camilleri a su comisario), que el estilo de este siciliano “está cargado de cultura e Historia, pero también de paciencia cultural e histórica, paciencia de isleño al que siempre le cuesta más que a cualquier peninsular llegar al centro del universo.” Y tal vez por eso, su lectura resulta tan relajada. Aunque me da que también tiene mucho que ver el hecho de que Camilleri alcanzase la fama como novelista cumplidos los setenta años, y a esa edad, según me confesó una vez José Luis de Vilallonga, uno escribe sólo para sí mismo porque ha dejado de importarle impresionar a los demás. Por eso es un placer leerle y disfrutar de la experiencia de ese viejo zorro que habita bajo la piel de Montalbano. Porque aunque todo transcurra en la pequeña (e imaginaria) Vigàta, en Sicilia, ya lo decía Sciascia: Sicilia es el mundo.

Otra novela portentosa

presentada por nuestra ardorosa

Pussy Deluxe

(caliente a temperatura ambiente)

El Micrófono Caliente de Pussy Deluxe

2009-04-05T04:55:00.005+02:00

Neigbourhood Postcards, Anorak (2009)

Tres años separan este “Neigbourhood Postcards” del disco de debut de Anorak, ese “A Limited Time Only” con el que el trío de Rubí saltó a escena teniendo como referencia clara la electrónica nórdica y grupos como Postal Service o Paris Angels. Pasado el tiempo, Anorak han ido depurando su sonido y han ganado en personalidad. En este disco desvían su mirada de los suburbios de Manchester a la periferia barcelonesa. “Neighbourhood Postcards” se centra así en la vida en las grandes ciudades dormitorio, haciendo hincapié en la pérdida de poder adquisitivo, las dificultades de llegar a fin de mes y el desvanecimiento de los sueños. Un disco lleno de melodías pop con un punto melancólico y espacial en el que destacan las colaboraciones de Helena Miquel (Facto Delafé y las Flores Azules), Guillamino y Agnés Arán (First Aid Kit), entre otros. Además, por sólo 14 euros te regalan un segundo CD con 7 remezclas.

Otra muestra de musical sordera

por parte de nuestra reportera

Pussy Deluxe

(¿mandeee?)

El Micrófono Caliente de Lord Velasco

2009-04-02T00:41:00.004+02:00

Nuevo single de Patrick Wolf: "Vulture"

Como adelanto del próximo disco de Patrick Wolf ya se puede ver el descacharrante vídeo que acompaña al single “Vulture”. Me consta que la canción ha dejado un poco cariacontecidos a los fanáticos del autor de “Lycanthropy” y “Wind in the wires”, por inesperada. Hablo de los típicos fans inmovilistas a los que no les gusta que sus ídolos se aparten del camino trazado y ya gozado (por poner dos ejemplos sacados del cine: los fans de Lynch que tuercen el gesto ante “Una historia verdadera” o los admiradores de Cronenberg que añoran los tiempos de la Nueva Carne). Pero la canción, medio gótica medio glam, tiene su gracia. Otra cosa es la imagen con la que Wolf ha regresado y que tanto está dando que hablar porque ora se le ve embutido en un puñado de trapillos sado que ora parece una druida mamarracha y decadente. Por lo visto, la canción (y ya veremos si el disco entero, que finalmente se llamará “The bachelor”) bebe de las experiencias que tuvo Wolf en su gira americana de “The magic position”. No será la única sorpresa que nos depare este disco, cuya publicación en el Reino Unido está prevista para el próximo 1 de junio. ¡Estaremos atentos!.

Otro artista en racha

vestido de mamarracha

que nos presenta

Lord Velasco

(absolutamente natural)

El Rincón del Cinéfilo Caliente

2009-03-30T23:01:00.006+02:00

Duplicity (Tony Gilroy, 2008)

Después de debutar con “Michael Clayton”, Tony Gilroy vuelve a ponerse tras la cámara para rodar una historia que aunque también discurre por los turbios entresijos de las grandes corporaciones, tiene más de comedia romántica que de thriller.

“Duplicity” no es más que un divertimento de elegante factura que lo fía todo a la química entre sus dos guapos protagonistas, Julia Roberts y Clive Owen, que en la piel de dos espías deberán averiguar si sus sentimientos son más fuertes que su oficio a la hora de confiar el uno en el otro.

Él está guapo de morirse, ella está estupenda y se pasean por Nueva York, Las Bahamas y Roma. Punto. El guión es una tontería y la dirección, pues qué queréis que os diga, ni Gilroy es Soderbergh -en quien se había pensado en primer lugar para dirigirla- ni la peli tiene la gracia de “Ocean’s Eleven”. Así que si crees que admirar la estupenda anatomía de Roberts y Owen no será capaz de entretenerte durante dos horas, mejor te ahorras la entrada, que estamos en crisis, y dejas su visionado para cuando salga en alquiler o la den por la tele.

Otra Película horterilla

que nos trae nuestra petardilla

Pussy Deluxe

(arreglá pero informal)

El Micrófono Caliente del Sádico Indecente

2009-03-29T16:20:00.009+02:00

"Tonight: Franz Ferdinand", Franz Ferdinand

Lo confieso: no soy fan de Franz Ferdinand. Aprecio su música y, de tanto en tanto, algún tema suyo cae en los recopilatorios que me hago para escuchar en el curro, pero de ahí no paso. Quizás sea por eso (y por llevarle la contraria a Pussy) que “Tonight: Franz Ferdinand”, el tercer álbum de la la banda de Glassgow, me parece su mejor disco.

Quien escuche sin prejuicios “Tonight: Franz Ferdinand” podrá ver que buena parte de las señas de identidad de la banda continúan en sus canciones, sólo que esta vez se añaden nuevos matices y posibilidades: algunas canciones son descaradamente poperas, otras introducen rasgos más electrónicos y un par suenan un poco psicodélicas. Y ésta es la virtud (para mí) y el defecto (para Pussy) del disco: la falta de unidad musical de los dos trabajos anteriores que hace que sea tan rico como irregular. Además el mayor uso de teclados y electrónica hace que los temas no suenen tan contundentes como quisieran los fans de la banda.

Y si por algo me gusta “Tonight: Franz Ferdinand” es por ser un disco pródigo en temas bailables, cortos y directos, de los que en sólo tres minutos te cuentan una historia interesante . Temas altamente pegadizos que harán que no puedas dejar de tararear el estribillo durante una semana o más. Temas como la genial "No you girls", segundo single del disco, con cuyo vídeo me despido.

PD: al final no me ha apetecido hablar de la producción de Xenomania. Si queréis saber del tema os miráis los comentarios de los Pet Shop Boys

Otro disco disfrutable

si eres de gusto bailable

recomendado por

Pepe Lucón

El Micrófono Caliente del Sádico Indecente

2009-03-26T12:04:00.006+01:00

"YES", Pet Shop Boys

Sí, si te gustan los Pet Shop Boys este es tu disco. Si no te gustan y nunca te han gustado (lo cual demuestra tu infame gusto musical) no hace falta que escuches "Yes", su estupendísimo nuevo álbum que, sin llegar a la altura, estratosférica, de "Very", su mejor disco y uno de los mejores de la música pop, considero desde ya uno de los mejores del duo.

Sí, si te gustan los Pet Shop Boys te engancharás a este disco. Puede que "Yes" no sea un disco perfecto pero es lo que más se le parece. Porque es todo un lujo en los tiempos que corren poder escuchar un disco de cabo a rabo sin tener que pasar ninguna canción, ya que todas las canciones que lo componen son buenas (unas más que otras, también hay que decirlo) y el disco se puede escuchar entero como una unidad. No hay en "Yes" temas tan destacados y contundentes como "Integral" y "Minimal", las dos mejores canciones de su anterior y fallido disco "Fundamental", pero a cambio sólo hay una balada. Porque no nos engañemos: por muy buenas baladas que tengan, lo que los fans de los PSB exigimos a los PSB son temas bailables y esos medios tiempos que ellos tan bien dominan.

Sí, si te gustan los Pet Shop Boys este es el disco que llevabas más de una década esperando. Porque, a pesar de la colaboración de Xenomania (ya os contaré más cuando hable del nuevo disco de Franz Ferdinand), Johnny Marr a la guitarra o Final Fantasy a las cuerdas, Neil Tennant y Chris Lowe han apostado por volver a sus orígenes y nos ofrecen una música totalmente reconocible. De hecho, ciertas canciones del disco recuerdan a otras de discos anteriores y las letras, como siempre ácidas e inteligentes, sirven para hablar del desamor y el paso del tiempo ("The Way It Used To Be"), del asesinato de Jean Charles de Menezes, muerto tras caer abatido por los disparos de la policía británica en julio de 2005 al ser confundido con un terrorista suicida ("We're All Criminals Now", excelente bonnus track), de la tormentosa relación de la modelo Kate Moss con el ex cantante de Libertines, Pete Doherty ("Pandemonium”, escrita originalmente para Kylie Minogue) o de lo que es necesario o no para conseguir el amor ("Love Etc...", sensacional primer single del disco).

Y Sí, si eres nostálgico de la música de los 80´s disfrutarás como un crío el primer tema del Cd2 de la edición especial del disco, "This just to be the future", cantado junto a Phil Oakey, cantante de The Human League.

Para terminar os dejo con el vídeo de una de sus últimas actuaciones, concretamente la de la gala de los premios Brits, donde recibieron el honorífico por su contribución a la música.

Otro disco destacado

por el siempre desalmado

Pepe Lucón

(menos sádico que de costumbre)

2009-03-24T10:11:00.003+01:00

Notición de alcance: "Swingtown" versión española

Los aficionados a las series tal vez conozcan "Swingtown", una de las mejores apuestas televisivas de los últimos años. Tan buena que ha sido un fracaso en Estados Unidos.

La mala noticia lleva varios meses publicada: no habrá segunda temporada. La peor acaba de llegar: Tele5 ha comprado los derechos a la CBS para hacer la versión española de la serie. Aunque no se ha hecho todavía oficial, se ha filtrado un vídeo por internet que lo confirma. Parece ser que va a ser José Luís Moreno el encargado de la producción, de hecho todo parece indicar que la "Swingtown" española será una especie de "Escenas de matrimonio" en plan setentero ya que la mayoría de actores pasarían de una serie a la otra.

Aquí os dejo el vídeo en cuestión. Mientras Trina, Susan, Bruce y compañía bailaban en la discoteca a ritmo de Sylvester o Bee Gees , Paca, Mariano y demás lo hacen al ritmo de... Bueno mejor lo ves tú mismo.

El Rincón del Cinéfilo Caliente

2009-03-21T14:43:00.008+01:00

“Los abrazos rotos”: Pedro Almodóvar el Grande.
Por Lord Velasco (el Católico)

Si la memoria no me falla, la primera vez que un mapa de España forma una parte importante del decorado de una película de Almodóvar fue en una de las escenas más importantes de “La flor de mi secreto”, aquella en la que Leo tiene una trifulca-confesión con su marido. Incluso el propio Almodóvar le dedica una justificación a ese detalle en el relleno que acompaña su libro “Patty Diphusa”. Hasta entonces, el reino de Almodóvar tenía como centro absoluto Madrid y fuera de éste sólo existía una entelequia llamada pueblo donde se dirigían, como si fuera el paraíso perdido, algunos de los personajes de su cine (como la abuela de “¿Qué he hecho yo para merecer esto!” o la madre de Leo en “La flor de mi secreto”). “Mujeres al borde de un ataque de nervios” supone la consagración internacional de su autor quien, desde entonces, está considerado como el embajador de la cultura española en el mundo y como su máximo exponente: una suerte de heredero de la esencia artística española en clave postmoderna. No deja de ser curioso que Madrid siga presidiendo el reino de Almodóvar al mismo tiempo que sus ficciones han ido conquistando otros terrenos: Barcelona aparece citada en las paraolimpiadas de “Carne trémula”, en los diálogos y en las fotografías de “Volver” y “Los abrazos rotos”, en el libro que lee Enrique Goded en “La mala educación” y consagrada, claro está, en “Todo sobre mi madre”. La cámara de Almodóvar ha salido de Madrid, cosa que rara vez sucedía en sus películas de los 80, para filmar distintos puntos de la geografía de España: La Mancha, Valencia, Galicia y, ahora, Lanzarote. Es como si Almodóvar fuera totalmente consciente de su papel de embajador español en el mundo.

Ese mapa del país, junto a la imaginería católica tan recurrente de su cine y el interiorismo pop de sus decorados, que ha hecho que los sagaces coolhunters con los que se rodea se fijen en objetos que ahora están tan a la última como las colecciones de robots metálicos o el cohete de Tintín, son tan importantes en el paisaje de Almodóvar como los mismos personajes de sus relatos, que en “Los abrazos rotos” vuelven a transitar los laberintos de la pasión y vuelven a estar sujetos, una vez más, a la ley del deseo.

Si el arte es el milagro capaz de convertir la representación en la vida, ¿qué decir de la representación dentro de la representación?. Se trata de una vida duplicada, todavía más intensa. Algunos de los momentos más hermosos y más emocionantes del cine de Almodóvar tienen que ver con esa idea de la representación dentro de la propia película: el número musical de Yolanda Bell, por ejemplo, que sobrecoge el amor de la abadesa Julia en "Entre tinieblas"; el peso de “La voz humana” en “La ley del deseo”, el rodaje de Máximo Estrella en “Átame” o los ballets de Pina Bausch en “Hable con ella”. Quizá el inicio más escalofriante de toda la obra de Almodóvar sea el que abre “¿Qué he hecho yo para merecer esto!”, donde la cámara se pasea entre los furgones de un rodaje de cine para apresar el paso de un ama de casa torturada, Gloria, sin duda uno de los grandes personajes de su filmografía. ¿Es “¿Qué he hecho yo para merecer esto!” una entera representación de principio a fin y eso explicaría que, a pesar de sus altibajos, sea la película más conmovedora de Almodóvar?.

En “Los abrazos rotos” ese recurso de la representación vuelve a protagonizar los mejores momentos de la película: no me refiero al trasunto de las “Mujeres al borde de un ataque de nervios” que constituye el rodaje de “Chicas y maletas” (Almodóvar, que es un vampiro y ha homenajeado todo lo que en el cine ha habido, ha terminado por hacerse un homenaje a sí mismo). Me refiero a las escenas que protagoniza la lectora de labios (estupenda Lola Dueñas), cuyas palabras destaparán la tragedia de los abrazos rotos. Una vez más, aparecen la pasión y sus problemas. Siempre bajo la óptica de Pedro Almodóvar.

Lord Velasco dixit.

El Micrófono Caliente de Lord Velasco

2009-03-20T13:10:00.011+01:00

Joe Crepúsculo

¿Por qué un escándalo?.

Resulta imperdonable que desde esta página todavía no hayamos dado el toque sobre Joe Crepúsculo, sin duda la cosa más sensacional que le ha pasado al pop español en los últimos años. La polémica, además, está servida: hay quien lo considera un timo. Y otros, que no lo consideran un timo, fruncen el ceño ante lo que califican un pop chatarrero, de arreglos toscos y producción ripiosa. Habría que mandarlos al cuerno.

Hay gente que solo sabe debutar con Ciudadano Kane, que solo es capaz de escribir un pentagrama si está a la altura de la Novena Sinfonía y que solo es capaz de escribir una novela teniendo a James Joyce en el punto de mira. Joe Crepúsculo, afortunadamente, no pertenece a ese tipo de gente. A diferencia de tanto ególatra sin futuro él es un auténtico creador, nos guste más o guste menos. Sus dos discos del año pasado, Escuela de Zebras y Supercrepus, constituyen la mejor tarjeta de presentación de su creatividad arrolladora: un total de 33 canciones, algunas de las cuales ya se han convertido en auténticos clásicos, grabadas en el comedor de su piso del Raval con la ayuda de varios amigos, teclados antiguos y chicharreras cajas de ritmos. El resultado es fascinante y, desde luego, nada ingenuo.

Junto a un sonido falsamente pobre, más bien exquisito, llama la atención lo desmañado de su voz y, muy especialmente, su talento para componer unas letras que algunos califican de surrealistas, bizarras y grotescas olvidando añadir intensas. Se trata de un vendaval de fuerza que, con justicia, barre con la gazmoñería y el aburrimiento de tanto pop formulario y que le ha llevado a consagrarse en el mismo año de su debut.

Con su música desprejuiciada, llena de sonidos juguetones que hacen pensar en cabarets, karaokes y organillos de las peores bodas, y con una voz arrastrada que muchos creen impostada, Crepúsculo firma dos grandes obras que, además, ponen el dedo en la llaga: no solo demuestran que el talento no se paga con dinero (como tantos otros antes que él se lo ha montado por su cuenta con apenas cuatro chavos) sino que, en pleno debate sobre la piratería y sobre la mutación de la industria musical, los ha colgado en su web de manera gratuita. Los interesados los pueden comprar poniéndose en contacto con la discográfica, la muy inquieta Producciones Doradas (http://www.produccionesdoradas.com/).

Y es que, en un mundo éste, tan lleno de viles y mediocres, la generosidad no es menos escandalosa que el talento.

Otro artistucho raruno

que canta como ninguno

presentado por Lord Velasco
(vista milana para encontrar la fama)

Las Recetas de Chicharrín

2009-03-18T15:08:00.007+01:00

Mi amigo el puerro

Queridos amigos, hoy tengo el honor de presentaros a un simpático vegetal muy valorado por nuestras abuelas por su rico sabor y sus propiedades medicinales y un tanto olvidado hoy en día: el puerro, también conocido como ajo porro.

Planta herbácea de la familia de las liliáceas, el puerro crece espontáneamente por todo el mediterráneo y su cultivo ya viene de muy antiguo (de tan antiguo como antiguo es el antiguo Egipto).

Los puerros son muy apreciados por sus propiedades y su gran aporte de nutrientes como el Potasio siendo ideales en casos de retención de líquidos, enfermedades reumáticas, gota, cálculos de riñón, arenilla y enfermedades del riñón y la vejiga. También tienen un buen efecto laxante ya que su fibra tiene un particular efecto mucilaginoso que favorece el deslizamiento de las heces. Vamos, que como es laxante y diurético y además tiene pocas calorías es un gran aliado en casos de obesidad.

Y no acaban aquí las propiedades de nuestro amigo el puerro ya que, sobre todo en forma de sopa (añadir un chorrito de limón), es un excelente aliado en casos de fiebre, problemas renales y gastrointestinales. Además es recomendable para la artritis ya que es muy remineralizante y alcalinizante. Y en problemas bronquiales los puerros son una buena alternativa a la cebolla y al ajo ya que su sabor es más suave ( bastante asqueroso es ya que tengas una tos cargada y que esputes continuamente como para que encima te hieda la boca a ajo) y aunque quizá no es tan rico en compuestos azufrados la verdad es que tiene propiedades parecidas.

¿Sábias que sólo 100gr de puerros aportan el 50 % de las necesidades diarias de vitamina C? Bueno, pues esto no nada porque además te aportan el 13 % de la vitamina E, B6 y Selenio que necesitamos. También obtendremos un 10% de nuestros requerimientos de calcio y hierro y una apreciable cantidad de carotenos, potasio, ácido fólico y vitamina B1. Una maravilla, ¿no crees?

Los puerros se eligen más bien pequeños y hemos de evitar la parte más verde ya que es más indigesta.
A las personas (como El Hombre de las Gafas o Rizostxungos) a las que los puerros les producen muchos gases le recomiendo que tomen poca cantidad y sobre todo en forma de sopa. Es por eso que mi receta de hoy es una sencilla sopa, internacionalmente conocida, que originariamente procede de la cocina francesa: la vichyssoise.

Vichyssoise
Ingredientes:

3 patatas cortada a gajos
6 puerros cortados a rodajas
1/4 mantequilla
1/2 litro nata liquida
sal
pimienta blanca

1. Salteamos el puerro, previamente cortado a rodajas, bien reogado pero sin que llegue a dorarse con la mantequilla.2. Cascamos (no cortada) a gajos la patata, de esta forma al no estar bien cortada con cuchillo suelta más almidón y así ligara la vichyssoise, y la añadimos al puerro.3. Acto seguido cubrimos con agua y cocemos a fuego medio hasta que la patata esté cocida. 5 y 6. Pasamos por el turmix y tamizamos. 7. Seguidamente vertemos la nata líquida hasta aclarar la sopa y salpimentamos. 8. Servír fria.

Otro buen amigo presentado y cocinado

porChicharrín

(más mango que sartén)

El Rincón del Cinéfilo Caliente

2009-03-16T15:09:00.007+01:00

Lejos de la tierra quemada (Guillermo Arriaga, 2008)

Opera prima como realizador de Guillermo Arriaga, hasta ahora escritor y laureado guionista (‘Amores perros’, ‘21 gramos’ , ‘Babel’, ‘Los tres entierros de Melquíades Estrada’), ‘Lejos de la tierra quemada’ es uno de esos puzzles narrativos tan del gusto del autor que cuadra perfectamente con el universo fílmico creado junto a su ex pareja fílmica Alejandro González Iñárritu –con el que protagonizó una ruptura digna de una canción de Pimpinela-.

Lo primero que se constata es que Arriaga sale airoso del reto que suponía ser capaz de plasmar en imágenes sus historias. Tal vez le falte ese punto de intensidad y garra visual que aportaba Iñárritu, y desde luego se le nota el ensimismamiento típico del director novato enamorado de sus criaturas que le resta eficacia a la hora de aplicar el bisturí en la sala de montaje, pero teniendo en cuenta que es la primera vez que Arriaga se pone tras la cámara el resultado es notable. A ello colaboran también el saber hacer de Robert Elswit, ganador del Oscar a la mejor fotografía con ‘Pozos de ambición’, y las estupendas interpretaciones de Charlize Teron, productora ejecutiva del filme, y Kim Basinger.

Rodada en apenas 40 días en localizaciones de Tejas, Nuevo México y Oregón, ‘Lejos de la tierra quemada’ comienza con la sugerente imagen de un remolque en llamas en medio de ninguna parte, que curiosamente será el nudo gordiano de una historia que Arriaga despliega en cuatro historias diferentes que poco a poco irán convergiendo en el espacio y el tiempo para ilustrar una historia trágica sobre la culpa y la necesidad de ser amados. El único pero que le encuentro a la historia es esa sensación molesta de que la forma se impone al contenido de forma tan imperativa que hace que en ocasiones alguna trama flaquee y parezca cogida por los pelos para conseguir la cuadratura del círculo, algo que ya ocurría en ‘Babel’.

Ahora sólo queda ver cómo se las arregla Iñárritu sin los guiones de Arriaga, aunque para eso tendremos que esperar a que acabe de rodar en Barcelona su ‘Biutiful’, con Javier Bardem como protagonista.

Otra crítica realizada

por nuestra siempre requemada

y por el sol tostada

Pussy Deluxe

(Consérvese al fresco y siempre en remojo)

El Rincón del Cinéfilo Caliente

2009-03-11T18:30:00.005+01:00

Gran Torino (Clint Eastwood, 2008)

por Pussy Deluxe

El testamento del héroe

“Aquí los hombres resuelven los problemas por sí mismos”, sentenciaba Tom Doniphon acariciando su revólver en ‘El hombre que mató a Liberty Valance’, y el eco de sus palabras resuena en el Walt Kowalski, el protagonista de ‘Gran Torino’. Un mecánico jubilado, veterano de la guerra de Corea, que tras enterrar a su esposa pasa los días sentado en el porche de su casa apurando una cerveza tras otra, viendo cómo su mundo va desapareciendo, y cuyo único objetivo en la vida parece ser mantener el fuerte, cual último mohicano, en un vecindario degradado y ocupado mayoritariamente por inmigrantes asiáticos a los que ni entiende ni respeta.
El problema de Kowalski es que Clint Eastwood ha decidido situarlo fuera del universo mítico del western y del thriller urbano contemporáneo. Por tanto, ese hombre dispuesto a hacer frente a las agresiones rifle en mano, antaño icono fundacional del espíritu americano, deviene en la América actual una imagen tan anacrónica como ese Ford Gran Torino del 72 que da título a la película y que, como el protagonista, es casi una pieza de museo. Los que tan sólo quieran pasar un rato entretenido en el cine disfrutarán viendo cómo se las arregla esta especie de Harry ‘El Sucio’ septuagenario con los pandilleros de hoy en día. Pero no os dejéis engañar por la aparente sencillez de la historia ni por su descuidada realización (fue rodada en tan sólo 32 días y con un presupuesto reducido), porque Eastwood, al igual que el maestro John Ford, posee la capacidad de explicar las cosas más complejas de la forma más sencilla. ‘Gran Torino’ es una pequeña joya que reflexiona sobre cosas tan complejas como la vida y la muerte, el paso del tiempo, la culpa, los prejuicios raciales, la responsabilidad individual y colectiva, y sobre una forma de hacer las cosas que durante más de un siglo ha sustentado el imaginario americano pero que no sirve para enfrentarse al presente. El hecho de que sea precisamente Eastwood, que durante más de cuatro décadas ha representado ante la cámara ese arquetipo, quien lo finiquite, convierte a ‘Gran Torino’ en una emocionante y melancólica reflexión sobre la ausencia de futuro del típico héroe americano. Como Doniphon, Kowalski se sacrifica para que aquellos que aprecia puedan tener una oportunidad en la vida y para que dicha expiación favorezca el progreso de la sociedad. Como la muerte del forajido Liberty Valance propiciaba el triunfo del abogado Ransom Stoddard y transformaba el salvaje Shinbone en una próspera ciudad cimentada en la creencia de que “La educación es la base de la ley y el orden”. Esa es la lección que Kowalski enseña al joven Thao e indirectamente a todos los que durante años hemos disfrutado con los personajes interpretados por Eastwood que seguían su propia ley y se tomaban la justicia por su mano. Y aunque me entristece pensar que este pueda ser el último trabajo como actor de Clint Eastwood, tengo que reconocer que el hombre se va por la puerta grande y habiéndolo dejado todo dicho con una elocuencia y una sencillez encomiables. Pero eso no evita que se me haga un nudo en la garganta al escuchar cómo la voz del propio actor, unida a la de Jamie Cullum, pone música a la última secuencia de ‘Gran Torino’. Y en ese momento deseo fervientemente que ese Dios en el que no creo le conserve la salud al Sr. Eastwood para que podamos seguir disfrutando de su cine durante muchos años y le haga un sitio a este Walt Kowalski junto a los Doniphon, Ethan Edwards, Shane, Predicador y tantos otros que también se quedaron sin un lugar en el mundo. Para que juntos puedan tomarse unas copas y renegar de un pasado que les convirtió en esos seres malditos que todos los cinéfilos veneramos.

El Micrófono Caliente del Sádico Indecente

2009-03-03T23:00:00.014+01:00

Lo nuevo de Pet Shop Boys y Depeche Mode

Acaba la primera década del tercer milenio y el panorama musical es de lo más desalentador en cuanto a las vacas sagradas ochenteras se refiere. Si el pasado año decepcionaban los discos de Madonna, Grace Jones o Guns N´Roses y aprobaba justito el de Kylie, este 2009 han sido, de momento, U2 y Fangoria los que no han cumplido con las expectativas. Como tampoco lo ha hecho con su nuevo trabajo Bruce Springsteen, aunque se trate de una vaca setentera.

Así que no puedo estar menos que receloso ante el inminente lanzamiento de los nuevos discos de Depeche Mode y Pet Shop Boys. De momento y para que vayamos abriendo boca ya han estrenado los vídeos de sus primeros singles, unas canciones totalmente continuistas y muy en la linea de lo que se espera de ellos que me hacen albergar ciertas esperanzas de que puedan tratarse de dos buenos trabajos aunque no nos muestren nada nuevo.

El 23 de Marzo (justo después del cumpleaños del Beckham del Forcall) saldrá al mercado el duodécimo disco de estudio de Pet Shop Boys titulado "Yes". El primer single extraido es "Love Etc", una canción que nos recuerda a otras ya escuchadas en trabajos anteriores ya que repite la exitosa receta made PSB de synth-pop cercano al electropop con ritmos bailables y estribillo pegadizo.

El videoclip de "Love Etc" está inspirado en los antiguos juegos de plataformas y ha sido dirigido por el aleman Han Hoogerbrugge, famoso por sus trabajos en la animación. Se podría esperar más tanto de la canción como del vídeo pero tal y como está el panorama ya me conformo con esto.

Casi un mes después, el 20 de abril, verá la luz el que también es el duodécimo disco de Depeche Mode: "Sound of the Universe". Este disco se presenta con la canción "Wrong". Un tema bastante bueno, con la particularidad de que no tiene estribillo (algo muy poco habitual en un single), que nos retrotrae a su mejor etapa de los 80´s, de hecho recuerda bastante a "A question of time" pero más lenta. El vídeoclip, de factura impecable, también sigue la linea de otros anteriores, coche incluido (sólo recuerdo un par de vídeos del grupo donde no salga un coche) y te deja con ganas de tirarte por la ventana después de ver el final. Podríamos pedirles un poquito más de alegría, pero entonces ya no serían Depeche Mode.

Otros grupos de hoy y siempre

de los que habla vuestro Sádico hiriente

Pepe Lucón

Clásicos de Hoy y de Siempre

2009-03-03T22:56:00.009+01:00

"Las Hurdes / Tierra sin pan" (Luis Buñuel, 1932) A pesar de que, nada más comenzar, un rótulo nos informa de que se trata de "Un documental de Luis Buñuel", "Las Hurdes" (conocida fuera de España como "Tierra sin pan") hace gala de una de las características más evidentes, y más silenciadas, del género documental: se trata de una obra tendenciosa en lo ideológico y en lo estético. Extraordinaria también. Pero vayamos por partes.

Cuenta la leyenda que fue producida por el profesor de arte Ramón Acín con 20.000 pesetas ganadas en la lotería. La inversión, lejos de ser desinteresada, obedeció al intento de servir al ideario anarquista en su denuncia de las condiciones de vida de la España rural de la época. Como deja caer John Baxter en su biografía de Buñuel, bien podría afirmarse que fueron los anarquistas los que apoyaron y subvencionaron el proyecto. No en vano, Acín fue un destacado activista anarquista (y, de hecho, fue fusilado junto con su mujer en 1936). Las pullas a la Iglesia pero, sobre todo, la importancia de la escuela y la educación en la paupérrima vida de los hurdanos muestran inequívocamente las simpatías políticas del proyecto estando recién constituida la Segunda República.

En cuanto a la estética, nunca un documental fue tan "de autor". Tratándose de un género como otro cualquiera, sometido a sus propios vicios y reglas, resulta interesante comprobar hasta qué punto "Las Hurdes" es una obra típica de Buñuel. Son muchos los momentos que hacen pensar en su firma: desde la inclusión de su particular zoología (los planos de sapos, culebras e insectos) a la lacerante crueldad de la cámara (las imágenes del bebé muerto, de la niña enferma, del burro al que matan las abejas –y que remite al que aparecía putrefacto en "Un perro andaluz"-). También el final, que protagoniza una mujer inquietante llamada la pregonera de la muerte, resulta tan misterioso y esquivo como otros finales de su filmografía.

El comentario en off de "Las Hurdes", coescrito por Pierre Unik y Buñuel a partir de un estudio de Maurice Legendre y que incluye citas a Unamuno, en más de una ocasión se entretiene en comentar la propia puesta en escena, lo que dinamita la invisibilidad estilística que tanto se asocia a los documentales. En este sentido, el momento más discutido de la peli es el plano de la cabra despeñada: se oye decir a la voz en off que, a pesar del hambre atroz, los hurdanos nunca matan las cabras para comerlas sino que esperan a que mueran por despeñamiento pero Buñuel inserta un plano en el que se ve con claridad la nube de humo de un rifle; es el disparo lo que hace caer al animal. Realmente, Buñuel podría haber prescindido de ese plano pero es de celebrar que lo recogiese en el montaje final, echando así por tierra las sacrosantas neutralidad y objetividad de los documentales.
¿Y por qué "Las Hurdes"?. ¿Qué fue lo que pudo interesar tanto a Buñuel de este proyecto?. Yo creo que, además del compromiso político y de realizar lo que hoy llamaríamos vulgarmente una obra "de denuncia", a Buñuel seguramente le fascinó el paisaje hurdano: un paisaje hecho de hambre y de atroz miseria, de calaveras, de enfermedad y de muerte, de sapos, culebras y pollos decapitados, de enanos y cretinos, de iglesias abandonadas, de malditismo. Hasta el siglo XVI se llegó a creer que Las Hurdes era un territorio embrujado. Nadie lo dice, pero el cine fantástico no solo tuvo como directores a Tod Browning, James Whale, Jacques Tourneur, Terence Fisher, Tobe Hooper y tantos otros: también el ojo de Buñuel supo mirar al horror y a lo invisible.

Otra película añeja,

clásica que no vieja,

analizada por

Lord Velasco

(mejor cuanto más viejo)

2009-03-03T03:45:00.018+01:00

El mayor acontecimiento social del siglo ha llegado.
Y nosotros hemos sido invitados.

¡Nos vamos a Londres!

¡QUE LA NIÑA SE NOS CASA!

Aun así seguiremos trabajando para vosotros. No os perdáis los próximos artículos calientes: Buñuel, Pet Shop Boys, Depeche Mode, Clint Eastwood, Mi amigo el puerro y alguna que otra sorpresa más os alegrarán los próximos días.

Nosotros, ya nos alegraremos solos...

El Micrófono Caliente del Sádico Indecente

2009-03-02T22:55:00.007+01:00

"Absolutamente", Fangoria

Absolutamente nada queda de Fangoria en Fangoria. Porque si algo caracterizó a Fangoria, si algo les separó del resto, si algo les hizo destacar y consolidarse como referencia musical autóctona fueron las letras de sus canciones. Tanto si se trataba de una canción bailable o de una balada, de un tema acid o de uno más minimalista, todas tenían en común unas letras cargadas de dramatismo. La muerte, la culpa, el desamor, Dios, la religión o la derrota eran sus temas recurrentes y con ellos consiguieron crear un universo propio. Un universo del que se han ido despojando en sus últimos trabajos y del que nada queda en "Absolutamente". En su nuevo trabajo cantan a lo superficial, a lo festivo, a lo extravagante y a la tontería.

Absolutamente todo ha cambiado. Hubo una época en la que se codeaban con artistas como Family, Lemon Fly o Le Mans, y Rock de Luxe los colocaba como lo mejor del año. Ahora se codean con Camela, Dover o la Terremoto de Alcorcón no tienen reparos en cantar en El programa de Ana Rosa o salir en el de Losantos. Hubo una época en la que las emisoras de radio vetaban sus canciones, ahora son número uno de Los Cuarenta Principales. Absolutamente mediocre es "Absolutamente". Porque así son la mayoría de sus canciones. Se han ido a grabar a Londres un disco producido por Sigue Sigue Sputnik que suena a Camela o a lo peor de OBK. Música acelerada, ritmos petardos, bases glam y guitarras que entran sin ningún sentido para unas letras de rima fácil y mensaje evidente. Y encima se jactan de haber grabado canciones que en otras ocasiones descartarían. Un absoluto desastre.

Aun así, y porque me siento absolutamente flex, tengo que admitir que no todo es morralla en este disco y al menos hay cuatro temas que no suenan a relleno: "Las Walpurgis te van a llamar", "Más es más", "Absolutamente" y "La pequeña edad de hielo". Y si hoy fuera Navidad y tuviera que ser absolutamente bueno también salvaría de la quema "En el centro del universo" (porque las rimas parecen hechas por el mismísimo Hombre de las gafas: por el Universo voy / para saber quién soy) y "Ensayo para una despedida" (porque es la última del disco y hasta aquí hemos llegado).

Y para acabar con el tema, unas sabias palabras de vuestro absolutamente admirado Lord Velasco acerca del disco que lo resumen todo: "Yo creo que la decepción por este disco no se debe al falso cambio de rumbo (uno de los tantos que han tenido; ya verás que no será el último), sino a lo plano de la producción y a lo facilón de las letras. Tienen todo el derecho del mundo a ser superficiales y a cantarle a la frivolidad, al consumismo y a lo que se les antoje: pero que lo hagan bien".

Otra exhaustiva

critica destructiva

realizada por

Pepe Lucón

(absolutamente indecente)

Pásame el Mando

2009-02-28T23:20:00.004+01:00

“Being Human”, el drama de ser diferente ¿Creéis que vuestra vida es complicada? Pues tratad de imaginaos lo que debe ser ver a tu prometido rehacer su vida con la chica a la que más odias mientras tú has dejado de existir para él y para todos tus seres queridos. O saber que todas tus relaciones sentimentales acabarán mal porque llegado el momento no podrás evitar alimentarte de ellas. O ser consciente de que cada vez que haya luna llena perderás el control sobre ti mismo y serás capaz de hacer cosas atroces. Esa es la premisa de “Being Human”, una nueva serie de la BBC que sigue el día a día de tres jóvenes que además de hacer frente a sus respectivos problemas laborales, sentimentales y demás, deben enfrentarse a una particularidad que complica aún más sus vidas: uno de ellos es un vampiro, otro un hombre lobo y la tercera es una fantasma.
Pero, ¿qué ocurre si lo único que ha cambiado en ti es tu naturaleza pero no tu alma? ¿Si a pesar de la transformación sigues pensando como un ser humano en vez de cómo un depredador? Eso es lo que les pasa a estos tres amigos, incapaces de encajar en su nueva naturaleza y sin posibilidad de volver a su vida anterior. Solo que aquí no estamos en Bon Temps sino en Bristol y la música de fondo no la ponen ni Jace Everett ni algún grupo cajún sino bandas como The Killers y Muse. Así que no confundáis “True Blood” con “Being Human”, que aunque comparten premisa fantástica son muy diferentes.
Sólo he visto el primero de los seis capítulos que va a tener la serie (los británicos son así de austeros) pero os aseguro que ha sido suficiente para que me hayan entrado ganas de adoptar al licántropo como mascota, de irme de copas con el vampiro y de compartir té y confidencias con la amiga ectoplasmática. Me parece que los próximos episodios de “Being Human” van a ser una forma estupenda de paliar el mono post “True Blood” que empieza a afectarme porque juraría que en este primer capítulo aparece una doble de Anna Paquin haciendo un papel secundario. ¿Lo habrán hecho a posta?

Otra adictiva serie descubierta

por nuestra televisiva experta

Pussy Deluxe

(cegatona de lujo)

El Rincón del Cómic Mutante

2009-02-25T20:53:00.005+01:00

Los muertos vivientes, de Robert Kirkman

¿Hasta dónde estarías dispuesto a llegar por sobrevivir?

Después de muchos meses de espera, el próximo 28 de febrero se pone a la venta el tomo número 8 de Los Muertos Vivientes, la mejor serie sobre zombis del momento (y, muy probablemente, de todos los momentos ) ya que, a diferencia de lo que venía siendo habitual en las películas y los cómics de teenagers en los que sólo hay acción y sangre, en Los muertos vivientes se ahonda sobre todo en la manera que tiene cada personaje de enfrentarse a un mundo donde el ser humano ya no está en lo alto de la cadena trófica. Kirkman nos introduce en su mente y nos muestra cómo son y cómo tienen que adaptarse para sobrevivir, obligándolos a adoptar decisiones cada vez más drásticas e incluso contrarias a sus propios principios, en lo que casi podría considerarse un estudio psicológico de la personalidad humana en situaciones extremas.

Esta serie no se centra en el caos colectivo ni en las causas de la plaga de zombies, sino en un puñado de personajes que bastante tienen con sobrevivir como buenamente pueden hasta el próximo día, enfrascados en un viaje por encontrar un lugar donde mantenerse a salvo de los zombis, y que no tienen demasiadas pausas para reflexionar con calma sobre su nueva situación. La historia, que podría parecer trillada, es de lo más adictiva ya que se centra en las relaciones personales y sentimentales de los protagonistas, a los que Kirkman somete a situaciones límites, muchas de ellas realmente terroríficas, trasmitiendo al lector la sensación de que ningún personaje tiene la supervivencia asegurada.

El punto de partida no es especialmente original: Rick Grimes, agente de policía, despierta de un coma en un mundo devastado y lleno de muertos vivientes que deambulan por las calles. Desde ese momento su único objetivo es encontrar a su mujer y su hijo en un mundo hostil donde la muerte acecha en todo momento. Rick se unirá a un grupo de supervivientes y juntos buscaran un lugar seguro donde poder vivir a salvo de los zombies, pero cuando crean haberlo encontrado descubrirán que la mayor amenaza para la humanidad no son los muertos vivientes sino el propio hombre. Celos, envidias, recelos, amor, amistad, ansias de poder, miedo... Todo aquello que nos hace humanos nos hace también peligrosamente inhumanos.

Otro cómic excelente

donde muere nucha gente

que nos traeEl Hombre de las Gafas

(vivo a pesar de muchos)

Oscars 2009

2009-02-24T09:53:00.024+01:00

Repaso a la Alfombra Roja

Por El Hombre de las Gafas

Queridos amigos y queridas amigas, si algún acontecimiento destaca por su elegancia y glamour ese no es, desde luego, la gala de entrega de los Oscars. Vestidos caros los que quieras, pedrería como para abrir una mina y cincuenta mil horas de peluquería no son garantía de nada cuando se trata de vestir a una estrella. ¿Dónde han quedado el estilo, la clase y el saber posar de las estrellas de antaño? Hoy la mayoría de ellas lucen en la alfombra roja sus mejores galas con el porte y la actitud de una maruja yendo de boda. Y es que no me cabe la menor duda que los premios les importaban infinitamente menos que los taquitos de queso y las croquetas que les sirven después de la ceremonia. A las pruebas me remito:

¿Cómo parecer mayor y salir airosa del intento? Pues llevando el estilismo de Kate. Luciendo un vestido de su abuela, engominándose el pelo para atrás y poniendo cara de estar estampada en una moneda, Kate consigue un resultado excelente de señora viejuna. Me consta que varias veces la confundieron con Meryl.

Tuneada para la gala. Angelina pensaba que le iban a dar el Oscar y se tatuó el discurso en el hombro por si se le olvidaba con los nervios. Además, como mujer precabida vale por dos, se escondió debajo del tupé una tortilla de patatas y un bocata de atún para matar el gusanillo por si en algún momento de tan interminable gala a ella o a su marido les entraba hambre. Por si les entraba sed, Brad llevaba un cartón de vino en la bradgueta.

Así de horrorosa apareció Sarah embutida en un disfraz de novia. De tanto subirse las tetas una se le metió debajo del sobaco, así que se quedó toda la noche sin poder despegar los brazos del cuerpo lo que resultó un gran inconveniente a la hora de pinchar las croquetas. El peinado de orejas de cocker fue un gran acierto de su enemigo.

Este es el típico ejemplo de zorrupio hollywoodero. Nadie sabe quién es ni a lo que se dedica. Pero allí está ella, con un vestido comprado en el outlet de Zara y luciendo siliconas varias en busca de su momento de gloria. Para la siguiente gala te recomiendo que te depiles mejor los sobacos y que te gastes un poco más en el peluquero porque, por muy buen profesional que sea, con los restos de los tintes de las otras no se pueden hacer milagros.

Qué grima da esta tía. Esto es lo que se llama estilismo espiritual. Sólo le falta pintarse un corazón apuñalado en el pecho y es la viva imagen de la Inmaculada Concepción. Claro, que quién es el guapo que estropea la funda de sofá que lleva puesta garabateando nada... Con lo cara que está la vida.

Eso mismo debió de pensar la señora madre de esta criatura cuando decidió tunearle el vestido de la comunión para asistir a tan magno evento. La mujer decidió que al vestido de su hija mejor que no le faltara de nada y le añadió los tapetes del sofá, los visillos, los paños de cocina, la cortina de la ducha y un lazo. Todo, eso sí, no vayan a darse cuenta, revestido con mucha purpurina, mucho fleco, mucha blonda y mucha pedrería.

Ésta se tiró tanto tiempo para meterse en el vestido (monísimo, eso sí) que no le dio tiempo a pasarse por el peluquero. Dos minutos antes de empezar la gala todavía estaba pidiendo a gritos un peine.
Sofea Loren hizo honor a su nombre y apareció tan horrible que muchos la confundieron con Mickey Rourke. Fíjaos en el tono rojizo de su piel. No se debe a un exceso de maquillaje, bastante kilos lleva ya la pobre en los ojos y la ceja, si no a lo apretada que llevaba la gargantilla para que le recogiese todos los pellejos del pescuezo y le disimulara la nuez. Además, si tu dentadura postiza ya está vieja, mejor evita ponerte algo blanco cerca de la cara. Mira la Meryl qué lista que se puso unos pendientes color marrón.
Y hablando de la Meryl, mírala si parece la estatua de la libertad recién salida de mear detrás de unos matojos. Con la precipitación del momento se le ha debido quedar un trozo de braga metido en la raja del culo. Del saco de patatas que lleva por vestido mejor ni hablo.

Uy, La Toñi Salazar! Ésta si que es un estrella. Como se ha separado de su hermana ha decidido formar un dúo artístico con el feo de los Calatrava. No estaba allí de promoción, es que era la que freía las croquetas.

Mira nuestra Pe sacando morro, es como ver al pato Donald vestido de vaporosa princesa Disney. ¡Qué cara más imposible!. Ésta tendría que nacer de nuevo para poder ser elegante. Si parece que vaya cagá.

Aquí el claro ejemplo de rubia jamona made in Hollywood. Mucho taconazo, mucho raso y mucho escote y se pone a posar como quien acaba de matar un ciervo. Y luego esa manía que tienen de no dejar nada a la imaginación: si tienes varices tapátelas coño.
Y dejo para el final a esta moza, experta en sacar lo peor de sí misma de una sola tacada. Que tienes más entradas que Manolo Escobar, pues te pones el pelo bien repegao con gomina y te haces la raya al un lado. Como además tienes orejas de soplillo pues te pasas el pelo por detrás, no sea que no se vea esa delicada y sencilla pieza de joyería barata que luces como pendiente, a juego con los ocho kilos de pulseras de choni y los dos anillacos de motorista del infierno. Si además vizqueas y tienes los ojos juntos pues qué mejor manera de acentuarlo que pintándotelos tan negros que acaben pareciendo el culo de un pavo. Como además careces de labio superior (y no me refiero al coño) y te gusta usar pintalabios, pues te pintas los dientes de rojo y a lucir sonrisa.

No voy a entrar en el detalle de enrollarte en un retal de tela roja brillantona para que parezca que llevas un vestido de alta costura, pero si tienes una lorza horrorosa como la que tienes al menos tápate la espalda.

Bueno, queridos míos ¿Tengo o no tengo razón?. Había menos glamour en esta gala que en el desfile de la Legión, cabra incluida.

Oscars 2009

2009-02-23T17:34:00.011+01:00

And the Oscar goes to… Hugh Jackman!!

Puede que muchos hablen hoy de la carretada del Oscars que se llevó una peliculita tan intrascendente como “Slumdog Millionare”; o del precioso vestido vintage de Pe; o quieran saber si Mickey Rourke la lió parda al no recibir su esperado premio; o se pregunten cómo es posible que Terenci Moix resucitase para recoger el Oscar al mejor director.

Pero queridos, nada de eso es importante, porque la 81 gala de entrega de los premios de la Academia sólo tiene verdadero triunfador: Hugh Jackman. Por si quedaba algún despistado, el hombre vivo más sexy del mundo volvió a demostrar ayer que tiene más tablas que la faraona y que le sobran talento y carisma para convertir ese peñazo de gala de tres horas y media de duración en un espectáculo digno de verse. ¿Qué todavía tenéis dudas? Aquí os dejo el número con el que abrió la noche al más puro estilo Broadway.

Un arranque de una fuerza como no habíamos visto en años y que Àngels Barceló sentenció con un “No es mi tipo”. Un comentario de lo más profesional a la altura de todos los topicazos y obviedades con los que nos castigó a lo largo de una noche en la que lo peor, por mucho, fueron las desconexiones de Canal +. Menos mal que Jackman se puso las pilas y tras la debacle de audiencia del año pasado se enfundó chaqué, sombrero de copa y al grito de “¡El musical ha vuelto!” de la mano de Beyoncé consiguió hacernos recordar aquello de “There’s No Business Like Show Business” con un número creado por Baz Luhrman.

De la mano del arquitecto David Rockwell, el Kodak Theatre de Los Angeles se convirtió en un acogedor escenario de Broadway en el que poco a poco se fueron entregando los 24 galardones de la noche. Lo mejor: la emoción de Penélope Cruz -y no es para menos- rodeada de actrices de la talla de Angelica Huston y Eva Marie Saint; el estupendo discurso de agradecimiento de Sean Penn, que empezó llamando Mariliendris a los miembros de la Academia y se acordó de pedir igualdad de derechos para el colectivo gay; el estupendo montaje de los videos proyectados; el emocionado tributo a los desaparecidos durante el año pasado con minuto de oro final en memoria de Paul Newman; la original forma de entrega de los premios a las mejores interpretaciones con presencia de nombres de relumbrón como Sofia Loren y Robert De Niro; y los estupendos Brad y Angelina, que se quedaron sin premio pero estaban de quitar el hipo.

Pe con su O

Sean Penn en pleno mitin

Los Bradgelinos, compuestos y sin Oscar

Lo dicho. Toda una lección de saber hacer de los señores Laurence Mark y Bill Condon, productores de la gala, que supieron realizar un espectáculo entretenido con momentos de altura al estilo del viejo Hollywood dorado.Y antes de marcharme a dormir, desear que Dior le conserve la salud y el talento al Sr.Jackman durante mucho tiempo y que los mandamases de la gala tengan el acierto de ficharlo de nuevo para el año que viene. No se me ocurre mejor reclamo para pasar feliz frente al televisor la próxima vigilia de los Oscars.

Otra ceremonia glamurosa

que relata con fina prosa

Pussy Deluxe

(ganadora de un Toni)

Lo Mejor del 2008

2009-02-19T08:47:00.013+01:00

La Vuelta al Año en 35 Canciones

(parte 3 de 3: del 9 al 1)

Y llegamos al tramo final de la lista de las mejores canciones del 2008. Por fin se desvelará el secreto mejor guardado de vuestra PÁGINA CALIENTE : el tema que según Caniche es el merecedor de ocupar el puesto de mejor canción del año. El mismo Caniche se encargó hace unos días en dejarnos una valiosa pista: la lista está ordenada alfabéticamente. ¿Será Amaral? ¿Serán Azucar Moreno?¿Será Ana Torroja?¿ O Anthony & the Johnsons?... A qué esperas para descubrirlo.

09. Disco Lies (The Dusty Kids Fears Remix) – Moby / Disco Lies Cdm

Quizás el mejor remix del año. Absolutamente diferente del original, además. Empieza con un oscuro murmullo de voces y una progresión musical que estalla en unos loops rítmicos –al estilo de las marcianadas de James Holden- que acaban estallando una segunda vez, hacia los 9 minutos, en una especie de éxtasis electrónico donde el beat impacta una y otra vez contra tu cuerpo. Imposible no fliparlo.

08. Cologne Cerrone Houdini – Goldfrapp / Seventh Tree

Allison Goldfrapp y Will Gregory han hecho una vez más un gran disco. Nostálgico, intimista, imperecedero y puede que Cologne Cerrone Houdini no sea la mejor canción del álbum, pero es que es tan Allison… uno puede imaginársela con ese mohín de Lolita, botas de cuero y fusta susurrándole al gilipollas de turno: I'm not your kind, i'm not your girl, See I'm in your car, but not your life!

07. Closer - Kings Of Leon / Only By The Night
Vale, Sex on Fire es más molona, pero resulta que me gusta muchísimo el tema q abre el álbum, con ese dial electrónico que ya te pone en alerta de lo rarito que es. Recuerda al pistolero en medio de una calle vacía, percibiendo el olor del peligro, mientras acaricia su revólver pensando en qué momento apretar el gatillo.
Stranded in this hoogie town / Stop right this way / And then the phone lines are down / Snow is crackling cold / She took my heart, I think she took my soul / With the moon i run / Far from the carnage of the firey sun

06. Chupee – Cocoon / My Friends All Died In A Plane Crash

Estos son la polla. Hacen una música basada en la sencillez de las melodías, dando como resultado canciones cristalinas y optimistas que quedan grabadas en la memoria porque son absolutamente pegadizas. Imaginaos cantando esto:
Eating your Chupa Chup / A plane is making a loop / The beavers are so cute / A tree gave me a fruit / Hello, hello / I take you on a trip / Hello, hello / I take you on a trip / Hello Hello Hello….

05. Blind - Hercules And Love Affair / Hercules And Love Affair

Gnarls Barkley se disfrazan de Hercules y nos brindan un segundo Crazy. Sin palabras. Solo recomendar el remix de Frankie Knuckles, de una elegancia poco habitual que, sin mejorar el tema, no desmerece en absoluto.

04. Un Arpón De Grillos – El Columpio Asesino / La Gallina

Puro delirio Synth en un álbum magistral lleno de grandes momentos. Un arpón de grillos cruza mis oídos, la grieta se agudiza, temo no volver… tuve la suerte de verlos en directo y no fue suficiente una sola vez.

03. Los Amores Reñidos - Sr. Chinarro / Ronroneando

Canción perfecta sobre las dudas que aparecen en una relación tras la absurdez del enamoramiento. Versos ingeniosos y melodía luminosa chinarrista.

02. Alta Fidelidad - Lori Meyers / Cronolánea

Producidos por el batería de Wilco, se deja notar en la energética Alta Fidelidad, mi favorita. Pero el disco está cargado de buenas razones para quererlo (Saudade, un mundo por delante, la búsqueda del rol..)

01. Tu Eres Más - Scsi-9 / Easy As Down.

Sin duda mi canción del año. Anton Kubikov y Maxim Miluytenko plantean un gran album minimal de sensualidad similar a The Line of Nine (2006) y su "Señorita Tristeza". "Tu eres más" es perfecta para bailar sin apoyar los pies en el suelo, mientras Cortázar nos recita el capítulo 7 de Rayuela.
" Toco tu boca, con un dedo toco el borde de tu boca, voy dibujándola como si saliera de mi mano, como si por primera vez tu boca se entreabriera, y me basta cerrar los ojos para deshacerlo todo y recomenzar, hago nacer cada vez la boca que deseo, la boca que mi mano elige y te dibuja en la cara, una boca elegida entre todas, con soberana libertad elegida por mí para dibujarla con mi mano por tu cara, y que por un azar que no busco comprender coincide exactamente con tu boca que sonríe por debajo de la que mi mano te dibuja…"

Otra muestra gusto musical delirante

a cargo de nuestro perro brillante

Caniche de Lady Magenta

(si lo acaricias moverá el rabito)

El Rincón del Cinéfilo Caliente

2009-02-16T17:30:00.008+01:00

Slumdog millionaire (Danny Boyle, 2008)

“Slumdog millionaire” barrió en los Bafta, fue la gran triunfadora de los Globos de Oro, tiene 10 nominaciones a los Oscar y, según la publicidad, te hace salir del cine con una sonrisa de oreja a oreja. Pero qué queréis que os diga, a mí la biografía de un paria de Bombay que consigue hacerse millonario y recuperar a su amada a través de un concurso de televisión me dejó más bien fría.

Tal vez sea porque cubrí mi cupo de ñoñería con “La curiosa historia de Benjamín Button”, pero sobre todo porque lo que en aquella toleré por tratarse de un cuento de corte fantástico, en esta la voluntad declarada de Danny Boyle de ofrecer “una mirada sensible y comprometida con la India de hoy” se me atragantó de mala manera. Semejante afirmación es comparable a pretender que “Pretty Woman” ofrecía una visión realista sobre el mundo de la prostitución en la América de los 90. Y es que os aseguro que si como dicen “Vicky, Cristina, Barcelona” aumentará el número de visitas turísticas a la ciudad condal, después de ver “Slumdog millionaire” a la India no va a ir ni el tato. Según la “mirada sensible” de Boyle, la India es un país de miseria en el que a excepción del protagonista no hay una sola persona decente. La tortura infantil es una práctica habitual. La policía es sádica y corrupta. Y como turista sólo puedes esperar que te estafen y te roben. Pero como para Boyle bien está lo que bien acaba, al final triunfa el amor y todos bailan estilo Bollywood.

Ni matices ni leches, que hay crisis y con la que está cayendo mejor ofrecer a los espectadores cuentos de hadas con la dosis adecuada de realismo social para que tranquilice nuestras globalizadas y políticamente correctas conciencias. No sé vosotros, pero a mí me da que pensar el hecho de que directores como Danny Boyle (“Shallow Grave”, “Trainspotting”, “28 días después”) y David Fincher (“Se7en”,“El club de la lucha”, “Zodiac”) se nos hayan vuelto tan blanditos y nos propongan historias tan cargadas de buenas intenciones. Y ya sé que la cosa está chunga y que el cine es una buena forma de evadirse de la realidad pero yo frente a esta edición de los Oscar de cosecha apta para todos los públicos prefiero la del año pasado, en la que los Coen (“No es país para viejos”), Thomas Anderson (“Pozos de ambición”), Cronenberg (“Promesas de Este”) y Lumet (“Antes que el diablo sepa que has muerto”) nos mostraban una sociedad desoladora pero cuyo discurso era infinitamente más interesante

Otra película turbantera

que encuentra más bien hortera

Pussy Deluxe
(ni ñoña ni de Bombay)

El Rincón del Cinefílo Caliente

2009-02-15T09:01:00.014+01:00

"La concejala antropófaga" (Pedro Almodóvar, 2009)

Tenía expectación por ver "La concejala antropófaga", el regreso de Almodóvar al terreno del cortometraje después de 30 años. ¿Cómo no iba a tener expectación después de la murga que me han dado todos, incluyendo la familia, los amigos, los vecinos, la prensa, la televisión y el BOE?. Almodóvar debe ser el único artista del mundo capaz de convertir en titular un pedo.

Desde las oficinas de El Deseo han querido vender "La concejal antropófaga" como un regreso del director manchego al hilarante humor de "Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón" y "Entre tinieblas". No es la primera vez que promocionan un trabajo de Almodóvar comparándolo con una de sus obras previas: sucedió con "Volver" y "¿Qué he hecho yo para merecer esto!"; con "La mala educación" y "La ley del deseo"; con "Todo sobre mi madre" y "Mujeres al borde de un ataque de nervios". Francamente, las comparaciones son odiosas. Y, en el caso de "La concejala antropófaga", son como para morirse: así como "Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón" no ha perdido ni una pizca de la gracia, frescura y corrosión que la convirtieron en un título mítico, como tampoco la han perdido "Patty Diphusa" o "¡Cómo está el servicio de señoras!", "La concejala antropófaga" es un trabajo rijoso, coñazo y escaso de imaginación, visualmente feo y de diálogos olvidables. Sé que a los fans de Almodóvar les bastará con ver un vestido rojo, una nevera roja y una cocina tuneada con un cuadro de pimientos rojos para utilizar la palabra VANGUARDIA. Pero no es el caso. No deja de ser más de lo mismo pero con menos gracia. Por lo menos reconocerán que los títulos de crédito son los más espeluznantes y espantosos que se han podido ver en mucho tiempo. ¿Los ha diseñado Juan Gatti?. Porque si los ha diseñado él es como para mandarlo a la mierda.

Mucho ruido y pocas nueces, que diría el bardo. Eso sí, el periodista Diego Galán, tanto en la entrevista que emitió el Canal Plus como en el artículo que publicó en El País, nos quiere hacer creer que "La concejala antropófaga" vale lo que un millón de nueces. El tema ya cansa: no es la primera vez que Diego Galán se limita a hacer de Diego Galán en su sempiterno papel de limpiababas del director manchego.

Otra estupenda crítica maligna

sobre una peli indigna

relizada porLord Velasco

(borrrde y con un ataque de nervios)

Lo Mejor del 2008

2009-02-14T11:51:00.027+01:00

La Vuelta al Año en 35 Canciones

(parte 2 de 3: del 19 al 10)

Seguimos con la selección de las mejores canciones del 2008 realizada por nuestro querido Caniche. Atrás dejamos los temas más experimentales y minoritarios que caracterizaban la primera parte de la lista (con alguna excepción como Duffy, The Ting Tings o Mgmt) y nos adentramos en la zona media donde predominan temas más accesibles, mayoritariamente electrónicos y bailables ( Madonna, Cut Copy, Miss Kittin,..) y destaca la emocionante y conmoverdora "Forget Her" de Jeff Buckley cuyo vídeo no os podemos mostrar por exigencia de su compañía discográfica (lo que nos está pasando con la mayoría de los vídeos). Así que no dejéis de hacer uso del enlace directo (clickando sobre el título) para disfrutar de todas las canciones.

19. Lights & Music - Cut Copy / In Ghost Colours

Quién puede resistirse a ese subidón electrónico que te hace sacar pecho hasta gritar Lights and Music are on my mind, be my baby one more time... Son capaces de hacer musica ochentera sin sonar rancios. Uno cree estar escuchando a los descendientes de Human League o New Order. Geniales. Uno de los temazos del año y uno de los discos del año.

18. L.E.S. Artistes – Santogold / Santogold

Amiga de M.I.A y Diplo, esta chica con pinta de aborigen australiano me deja pasmado con la canción, el clip y su look de jinete del apocalipsis, trayendo la muerte a este planeta, pero con vísceras de colorines y confetti. Estupenda!

17. Kittin Is High - Miss Kittin / Batbox

Y Miss Kittin sigue en sus trece, dándole al electroclash (que se empeñan en decir que ha pasado de moda) y seduciéndonos con su voz de zorrón, consistente en arrastrar la última palabra de cada frase, un poco a lo Lorena C, pero menos divertida. El tema es muy bueno, el disco no tanto…¿los murciélagos son para justificar la "oscuridad" del disco?

16. Kat Witt 700 Watts - Eero Johannes / Eero Johannes

Un tema muy divertido de funk electrónico, con un buen juego de percusión, y sin decir ni mu, ni falta que le hace. El disco es muy bueno, mezcla de Lo-Fi y Funk. Y es que en casos como este no se echa en falta la voz humana. La evolución lógica de un Si Begg que se quedó en nada.

15. Jocasta - Noah And The Whale / Peaceful, The World Lays Me Down

Una canción ideal para ejercer en la cocina, tan vitalista que no podrás evitar subirte a las sillas y quizás hacer malabarismos con la fruta o los platos del postre. Lo único malo que tiene es que quizás te quedes sin menaje.

14. I can Avalon – Helicopter Girl / Metropolitan

Jakie Joyce nos había encantado con Angel City. Y ahora, con unas bases que recuerdan al mejor Erlend Oye de Kings of Convenience, vuelve a susurrar preciosidades como I can Avalon.

13. Homesick (Club Version) - Parov Stelar / Libella Swing Ep

Y el nu-jazz toma las pistas de baile!. Parov Stelar lleva varios años provocándome placer con su visión de la música, alimentada por certeros samples de dioses del jazz. En este EP da una vuelta de tuerca al swing y nos regala una versión para clubes del magnífico Homesick. Atención al éxtasis electrónico final, impresionante.

12. Give It 2 Me (Pete Tong & Dave Spoon Remix) – Madonna / Hard Candy

Esta canción tiene algo raro y no sé qué es, pero bueno. Ya se sabe que de los mejores temas de Madonna nunca han salido buenos remixes, y éste mejora ligeramente el original, manteniendo intacto lo mejor del tema, que son esas ráfagas infecciosas del estribillo, y además adecúa la velocidad del bmp a la edad de la cara de señora que se le ha quedado a la pobre…

nota: este vídeo pertenece al remix realizado por Paul Oakenfold (que será el telonero de la diva en sus próximos conciertos) ya que el tema al que hace referencia Caniche no tiene o no lo hemos sabido encontrar.

11. Forget Her – Jeff Buckley / So Real Songs From Jeff Buckley

No cumplió los 32. Tenía una voz maravillosa y fue novio de Joan Wasser (Joan as a Policewoman). Nos dejó un disco que pone los pelos como escarpelos (:D), Grace, uno de los mejores álbumes de los 90. Forget Her está en él y habla de desamor, de soledad, de lo que cuesta sacudirse una pasión… don't fool yourself / she was heartache from the moment that you met her / my heart feels so still / as i try to find the will to forget her somehow / oh i think i've forgotten her now… (cantar con la camisa desabrochada y los brazos abiertos al borde de un acantilado, por aquello del viento)

10. Dry Martini, S.A. - Nacho Vegas / El Manifiesto Desastre

Nacho Vegas siempre me ha parecido demasiado falsamente oscuro, demasiado falsamente dramático y demasiado falsamente sincero. Era inevitable que acabase con Christina Rosenvinge. Pero por razones sentimentales adoro esta canción, desde las primeras notas y en todo su desarrollo melódico. Es perfecta y hay que reconocer que N.V. tiene una voz muy sensual y, aunque no soporte escuchar un álbum suyo entero, nos quedará, menos mal, Dry Martini y sexo anal…

...CONTINUARÁ

Otra muestra de criterio musical sin complejos

a cargo de El Caniche de Lady Magenta

(completamente vacunado y desparitado)

Especial San Valentín

2009-02-14T06:54:00.006+01:00

Casan a dos pingüinos gays en un zoo de China

"Han sido una buena pareja y se merecían esta recompensa". Así justificó uno de los cuidadores del zoo Polar Land de Harbin, al noreste de China, la ceremonia -marcha nupcial incluida- con la que celebraron una simbólica boda entre dos pingüinos macho. La pareja se hizo famosa en noviembre, cuando los encargados del recinto constataron que la pareja, monógama como todas las de su especie, se dedicaba a intentar robar huevos de sus compañeros de cautiverio para incubarlos, según relató el periódico China Daily.

"Cuidar de los huevos es parte de su instinto", dijo un cuidador. Al final, los responsables del zoo atendieron las necesidades de la pareja y les encomendaron el cuidado de un par de huevos que otra pareja -heterosexual, por supuesto- no había sabido cuidar. "Fueron los mejores padres del zoo", señaló un cuidador a la web australiana 9 News.
Los pingüinos son una de las cientos de especies animales, desde abejas hasta humanos, en las que se han observado parejas formadas por individuos del mismo sexo. En 2004, otra pareja de las mismas aves del zoo de Nueva York, Silo y Roy, se hicieron populares después de que se hiciera público un romance que duraba más de seis años. Ansiosos de ser padres, incluso intentaron incubar una piedra. Al final, como en el caso de sus congéneres de China, se les permitió hacerse cargo de un huevo, del que nació una hembra, Tango.

Otra noticia con corazón

que te trae el siempre criticón

Hombre de las Gafas

(amante animal)

Lo Mejor del 2008

2009-02-11T11:42:00.028+01:00

Lengua Asesina se complace en presentar

al siempre Fascinante y Delirante

Caniche de Lady Magenta

(Con más pedigrí que Doña Cayetana)

Prólogo del Sádico Indecente:

Detestables admiradores mios, escupitajos verdes mil. Lo que a continuación vais a tener el privilegio de leer y escuchar (y espero que disfrutar, aunque me quede mal decirlo) es la primera parte de la lista de las 35 mejores canciones del 2008 que ha realizado, basándose únicamente en su gusto y criterio, nuestro nuevo colaborador. No entraré a comentar su, por fortuna, más que discutible selección que espero no tengáis reparo en criticar con vuestros comentarios, pero si quiero destacar como en tan sólo unas pocas líneas es capaz de explicar una canción (¿has probado a hacerlo alguna vez?) y los motivos de por qué le gusta de una manera tan personal como entretenida. Así que os halláis ante un magnífico trabajo a la altura de todos los que en esta vuestra PÁGINA CALIENTE se publican y mucho mejor que cualquiera de los que cuelgan por ahí, que espero sea el primero de los muchos que nos mande nuestro nuevo amigo.

La Vuelta al Año en 35 Canciones

(Parte 1 de 3: del 35 al 20)

35. With You – Ricardo Tobar / With You EP

Minimalismo chileno influenciado por James Holden tendente a la épica ambient, pero con una fuerza inaudita. Fantástico para escuchar en el metro o en cualquier superestructura humana.

34. Where In This World - The Notwist / The Devil, You + Me
Markus Acher desnuda su melancolía en esta preciosa canción articulada por cuts electrónicos y una melodía ultra-emocional/ante: Where in this world could I go / There's no escape from this circling place...

33. Uh – Fujiya & Miyagi / Light Bulbs

Olvídate del Bolero de Ravel o de Je t'aime, moi non plus. Esta es la nueva canción para unos buenos preliminares. Es tan cool que me pone cachondo.

32. Start Of My Heart - Joan As A Policewoman / To Survive
Unos primeros beats -que recuerdan al homogenic de Björk- desgranan una profunda canción de agradecimiento. Joan Wasser canta You changed me / You chained and taught me / The damage I've done / Can show me the way to my heart ... con la misma delicadeza que invade el resto del disco: grandioso.

31. Shut Up And Let Me Go - The Ting Tings / We Started Nothing
Son un poco insustanciales, pero tanto esta como Great DJ son la banda sonora ideal para entrar en el Camarú a las 2 de la mañana, vestido para matar y con ese brillo que proporciona un balance de 2 o 3 copas. Si no te mueves, estás muerto.

30. Time To Pretend - Mgmt / Oracular Spectacular
Jo, a veces apetece liarse un pañuelo turco en el cuello, ser tan glam y guapo como ellos e irse a la capital del amor a fumar y a follar con famosas. Fantástico clip, a estas alturas todo el mundo lo ha visto.
I'll move to Paris, shoot some heroin, and fuck with the stars / You man the island and the cocaine and the elegant cars / This is our decision, to live fast and die young.

29. This Farm Will End Up In Fire - Girls In Hawaii / Plan Your Escape
El tema intro de un gran álbum, indie a muerte, y cuya gramática está basada en la repetición de la misma melodía todo el rato, cuyas comas son la transcripción sonora de las gotas que conducen al punto y final: el resto del disco. Here comes the sun…

28. Tenía Tanto Que Darte – Nena Daconte / Retales De Carnaval

Porque me gusta, porque mi colega Piñy la detesta, porque lucho cada día contra mi snobismo musical, porque alguien que es despreciado por OT automáticamente tiene mi bendición, porque no hay forma de quitársela de la cabeza y porque siempre he querido ir en patines de esa forma tan alocada

27. Slipped Dissolved And Loosed – Lambchop / Oh

Cuando son buenos, son muy buenos, y cuando son malos, son aburridos. Esta canción es de las buenas con mayúsculas. De esas que te gusta escuchar cuando vuelves a casa al atardecer después de una tarde de playa.La voz de Kurt Wagner es tan profunda y cálida como los recuerdos estivales.(oyyys)

26. Shempi - Ratatat / Lp3
Estamos ante el clip del año. Y lo bueno es que no son imágenes originales. Ratatat vampirizan a Abba, deconstruyen a Bjorn, Agnetha, Anna-Frida y Benny hasta convertirlos en anticristos de la música dance de los 70. Creo que es el clip más desasosegante que he visto desde el Smack my bitch up de Prodigy. El resto no defrauda: sonido retro-electrónico exclusivo de los neoyorquinos que no llega a la altura de su primer álbum pero que, joder, son buenos!!!

25. See These Bones – Nada Surf / Lucky

Una gran canción, una de las mejores de estos neoyorquinos. Matthew Caws multiplicando su voz en los coros, lo cual ya es la leche, porque me encanta su voz y si encima la progresión emocional alcanza esas cotas… puf!
Look alive, see these bones / What you are now, we were once / Just like we are, you'll be dust / Just like we are, permanent…

24. Rocanrolear - Klaus & Kinski / Tu Hoguera Está Ardiendo
Una invitación al amor en medio de un disco un tanto errático pero con tracks muy muy interesantes por separado. La delicada voz de la cantante nos susurra en plan La Buena Vida: "por qué tu y yo no podemos estar un poco más allá, si aún queda por probar rocanrolear…"

23. Over the Ice – The Field / From Here We Go to Sublime Y realmente lo son (sublimes). Pongo esta pero cualquier otra del disco está al mismo nivel o superior (My little Heart Beats So Fast es grandiosa). Pertenece al disco más homogéneo que he tenido el placer de escuchar este año, una progresión de acordes bajo un beat constante donde unos tracks suceden a otros de una forma impecable. Y todo a base de microsamples e ingeniería musical. Un disco oscuro, extraño, pero vivo al mismo tiempo.

22. Nos Souvenirs - Quidam / En Eaux Profondes Son de Clermott-Ferrand, como los antihéroes de Chabrol, y han hecho una canción elegantísima e impecabilísima, como todo el disco. Y en francés, oh la la, qué seductores suenan: Face à mon sourire / Tu sais mentir / Comme je respire. A falta de una nueva dosis de Dominic A….

21. My Only Offer - Mates Of State / Re-Arrange Us Perfecto ejemplo del estilo de este indie-matrimonio. Cierto, el disco no alcanza el listón del anterior, Bring it Back, pero tiene canciones tan agradables como esta y qué quereis, a mi me transmiten tan buen rollo…

20. Mercy – Duffy / Rockferry Esta especie de Patricia Conde anglosajona, pero menos guapa en color y en la distancia corta, tiene una voz pa mearse en las bragas, que diría Julia Roberts, y resulta que canta un temazo inmortal. Mercy es a Duffy lo que Misty era a Ella Fitzgerald. Y el clip es imponente. ¿Es verdad que salió de Pop Stars?

... CONTINUARÁ.

El Rincón del Cinéfilo Caliente

2009-02-09T21:19:00.005+01:00

El curioso caso de Benjamin Button (David Fincher, 2008)

Lo primero que a uno le viene a la cabeza tras finalizar el visionado de ‘El curioso caso de Benjamin Button’ es que acaba de ver eso que popularmente conocemos como un peliculón. 160 minutos de una historia de amor ‘bigger than life’ con dos estrellas de relumbrón como protagonistas, y con muchas posibilidades de llevarse bastantes de los trece Oscars a los que está nominada. Pero además, pertenece a esa rara especie de películas que te recuerda el placer que produce ser espectador cuando una historia está bien contada, y consigue que como aquel sultán en ‘Las mil y una noches’, desees que Sherezade prosiga infinitamente su relato.

Profundizar en la vida del hombre que da título a la película significa adentrarse en un cuento que capítulo a capítulo repasa la existencia de un ser que nace viejo el día que se firma el armisticio de la primera Guerra Mundial y que crecerá de forma inversa a como lo hacemos el resto de los mortales. Es decir, rejuveneciendo según se acerca al ocaso de su vida. Y lo más interesante es que ese desarreglo evolutivo del protagonista es lo que propicia que seamos terriblemente conscientes de algo que nos afecta a todos por igual: el inexorable paso del tiempo. “Nada dura eternamente”, repite una y otra vez Benjamin Button, y eso es así tanto si envejeces como si rejuveneces con el devenir de los días. La melancolía inherente al tema impregna todo el film y otorga un cierto tono de realismo mágico a las aventuras cotidianas a las que se enfrenta este hombre y a cada una de las personas que encuentra en el camino –como la bailarina que se convertirá en el amor de su vida, el magnífico contador de historias pigmeo, o el capitán de barco con alma de artista-.

Pero más allá del entretenimiento puro y duro, el último trabajo de David Fincher también propone una reflexión sobre cómo nos enfrentamos al paso del tiempo y a ese estatus de provisionalidad que marca la condición humana. Y tiene la osadía de mostrar y recrearse en la vejez. Cosa nada baladí en esta sociedad que idolatra la juventud y se empeña en borrar cualquier signo de envejecimiento. Y lo hace además desde el corazón mismo de esa industria –Paramount y Warner Bros producen la película- que ha erradicado el cine para adultos y parece sólo interesada en cómo aumentar el consumo de palomitas. Eso sí es subversivo.

Otra película que ha disfrutado

y así nos lo ha contado

Pussy Deluxe

(eternamente Deluxe)

El Rincón del Cinéfilo Caliente

2009-02-05T17:20:00.005+01:00

La duda (John Patrick Shanley, 2008)

El único inconveniente que tiene esta película, es la pereza que a priori puede despertar en el espectador el visionado de una película con título de resonancias filosóficas, que tiene como protagonistas a un cura y a una monja, y que está dirigida por el tipo que realizó ‘Joe contra el volcán’ (1990). Pero os aseguro que merece la pena superar tal prejuicio, porque John Patrick Shanley ha conseguido filmar una historia que te atrapa desde la primera secuencia –precisamente un sermón que gira en torno a la duda-, te mantiene en vilo hasta el final y te sigue carcomiendo mucho después de haber abandonado el cine. Que no os engañe su sobria apariencia, porque ‘La duda’ está surcada de culpa y bajas pasiones, algo que como adoctrinados católicos que somos conocemos perfectamente.

Basada en una obra de teatro escrita por el propio Shanley, ganadora del Pulitzer y el Tony, y cuya adaptación cinematográfica opta ahora al oscar al mejor guión, ‘La duda’ plantea al espectador un dilema moral tan complicado como apasionante. Porque mientras tomas partido por una de esas dos bestias pardas de la interpretación -Meryl Streep y Philip Seymour Hoffman, que hacen que los documentales sobre el reino animal palidezcan ante su lucha fraticida-, te das cuenta de la facilidad con que emitimos juicios de valor y de que caemos en las mismas trampas morales que censuramos en los protagonistas. Y sí, ya sé que viendo el trailer puede parecer que se trata de un tet-a-tet entre Truman Capote con sotana y la señorita Rottenmeyer vestida con hábito, pero por suerte, el guión huye de maniqueísmos y no asistimos a un duelo entre un héroe y un villano, sino entre seres humanos, que no son otra cosa que la mezcla de ambos.

Os aseguro que las tertulias post visionado pueden ser muy interesantes y que probablemente en lo único que estaréis de acuerdo es en que cualquiera de sus cuatro actores nominados -Streep, Seymour Hoffman, Viola Davis y Amy Adams- merecería el oscar por su interpretación.

Otra gran película que te recomienda

la siempre de cine sedienta

Pussy Deluxe

(indudablemente ella)

Madonna al Desnudo

2009-02-03T02:42:00.012+01:00

Oda a Madonna, vol.2

¡Uy, ¿Quién es esta chica?! ¿Who´s that girl? ¡Por mi tía Ramona, si es la mismísima Madonna! Mírala tita, qué inocente parecía de adolescente. Con su gato y en pijama la niña se mete en la cama.

Madonna acaricia su gato y el animal se calienta un rato. ¡Quién fuera minino para sentarse en su chumino! Uhhmmm, me pones calentón con tu melena de león.

El gatito, que está contento, le toca por ahí adentro. Y nuestra diva, que no es obtusa, decide quitarse la blusa. ¡Ay, tita Ramona, qué tetas tiene Madonna!

Madonna al gato calienta cuando sobre él se sienta. La niña se siente felina al posar de manera tan fina. Pero de restregarse tanto rato, al final ha espantado al gato y Madonna luce desnudo su enorme pubis velludo. ¡Mira, tita Ramona, cuanto pelo tiene Madonna! ¡Quién fuera peluquera para arreglarle la pelambrera!

La chica posa desnuda porque a ella todo le suda. Luce un pecho precioso y un chocho digno de un oso. Aun así no pondría queja en poder verle la almeja.

¡Ahhgggg, tita Ramona, menudo coño tiene Madonna! ¿Es que nadie le ha explicado a esta chiquilla como usar la maquinilla? Sólo te daré un consejo: ¡rasura ya tu conejo!.

Otro buen ejemplo de rima consonante

a cargo del siempre elegante

Hombre de las Gafas

(fotos proporcionadas por Lady Magenta)

Clásicos de Hoy y de Siempre

2009-02-01T23:37:00.008+01:00

"PARANOID PARK" (Gus Van Sant, 2007)

"Paranoid Park" no ha tenido la suerte de ser estrenada por culpa, según me ha llegado un chisme, de la quiebra de la distribuidora Vértigo, que es la que había comprado los derechos. "Paranoid Park" bebe de la estética árida y del espíritu nihilista de la trilogía de la muerte de Van Sant. Sin ser tan feroz como "Elephant" o "Last days" (desgraciadamente, aún no he visto "Gerry") en ella se dan cita todos los elementos que han hecho famosas esas cintas: el minimalismo expresivo, el relato fugado, el fatalismo, el retrato de una juventud quebrada. "Paranoid Park" corre el riesgo de ser despachada en términos de déja vu o de ser vista como un nuevo peldaño de la (aparente) bicefalia artística de Van Sant, que le hace firmar películas para la gran industria y para el mundillo underground con idéntico empeño y grandes resultados (me remito al reciente estreno de la espléndida "Mi nombre es Harvey Milk", que hace poco nos comentó Pussy DeLuxe). Es decir: corre el riesgo de ser vista en función de la trayectoria de Van Sant antes que como una película enteramente justificable por sí misma.

No se trata de una película perfecta (aunque, curiosamente, así la consideró un famoso medio francés el año pasado), pero tiene más de un aliciente que la hace apasionante, desde la utilización de distintas texturas visuales a la hipnótica utilización del ralentí que distingue a Van Sant de cualquier otro autor contemporáneo (con la excepción, quizá, de David Lynch).

Otro elemento interesante de "Paranoid Park" es la presencia de la música de Nino Rota en buena parte de su metraje. Los créditos iniciales tienen el apoyo de algunas las melodías compuestas para "Giulietta de los espíritus" y la relación del protagonista con su novia se ve acompañada por uno de los temas más famosos de "Amarcord". Es interesante que un cineasta considerado experimental recurra al inolvidable músico milanés, autor de algunas de las mejores páginas que se escribieron en el pasado siglo y no solo en el terreno de la banda sonora. Rota sufrió el ninguneo de la crítica musical, ejem, culta, por su tradicionalismo y su formidable vena melódica en una época en que la música abrazaba el atonalismo y toda clase de vanguardias. La elección de Van Sant nos recuerda que el talento de Nino Rota siempre tuvo un lugar: el de la modernidad más absoluta. (Los admiradores de Pedro Almodóvar machacarán con que el manchego lo supo decir antes al incluir una de las melodías de "Rocco y sus hermanos" al inicio de "Entre tinieblas". Solo que la elección de Almodóvar se debió a la razón, algo prosaica, de que el catálogo de la casa discográfica CAM estuvo libre de derechos a principios de los 80). En "Paranoid Park", las imágenes convocan la música de Nino Rota. Cuando Van Sant llama a un compositor de Hollywood, sea en "El indomable Will Hunting", en "Mi nombre es Harvey Milk" o, en el caso más especial de todos, "Psicosis", el elegido es siempre Danny Elfman, sin duda el más inspirado de todos los admiradores de Rota. Su última colaboración es una nueva refrenda: al inicio de "Mi nombre es Harvey Milk" se oyen unos sugerentes efectos sonoros que parecen sacados del inolvidable "O Venezia Venaga Venusia" con que se abría el "Casanova" de Fellini.

Otra interesante muestra de divagación cinéfila

escrita por

Lord Velasco

(paranoico sin complejos)

Pásame el Mando

2009-01-29T11:06:00.005+01:00

El invierno de nuestro descontento se transforma en glorioso verano...

Este año la cuesta de enero ha tenido su recompensa. Atrás quedan los traumas dejados por tanta fiesta familiar; los estragos físicos tras los excesos navideños; y el estrés por conseguir alguna ganga en las rebajas. ‘Damages’ y ‘Lost’ han vuelto. Ahora no nos queda más que sentarnos en el sofá y disfrutar mientras nos reconciliamos con nuestros congéneres –al menos con los cibernáuticos-, capaces de colgar el episodio y sus correspondientes subtítulos en la red para que podamos gozar de la ansiada dosis serial a las pocas horas de su estreno en USA. Sólo hay un problema, ni ‘Lost’ ni ‘Damages’ son aptas para impacientes o taquicárdicos, así que consumidlas con moderación.

Lost 5.0

La larga espera ha terminado. Después de que la gloriosa 4ª temporada acabase su emisión en mayo de 2008 dejándonos enganchadérrimos, el pasado 21 de enero tuvimos estreno y ración doble de la 5ª -y penúltima- remesa de ‘Lost’. “Because You Left” empezó exactamente poniéndonos en hora ‘Lost’, o lo que es lo mismo, con la imagen de un despertador que marca las 8:15 -hay que ver lo mucho que se echaba en falta el retorcido sentido del humor de estos guionistas-. A partir de entonces empezó el carrusel temporal –que siguió con “The Lie”- y claro, después de tantos meses de mono, el shock y el mareo mental fueron importantes. Esto acaba de empezar y yo ya no entiendo nada. Pero, ¿qué más da? Nos quedan 30 enrevesados capítulos -14 más esta temporada y 16 en la siguiente- para resolver –o no- el misterio de la dichosa isla. Como dice la siniestra Sra. Hawking, “God help us all!”. Que Dios nos asista…

Damages 2.0

La mejor mala pécora de la televisión, Patty Hewes, ha demorado su retorno nada menos que 15 meses -desde octubre de 2007-, aunque no ha perdido ni un ápice de la mala leche que hizo que nos enganchásemos a la complicada trama de ‘Damages’. Pero a la estupenda Hewes (Glenn Close), le ha salido una peligrosa enemiga. La primera secuencia de esta segunda temporada de ‘Damages’ deja claro que ya no queda nada de aquella inocente Ellen Parsons (Rose Byrne) a la que Hewes machacó sin piedad. Ahora, la pequeña Ellen tiene ganas de venganza, y el duelo a muerte entre maestra y pupila no ha hecho más que empezar para deleite de los telespectadores. Lo dicho, el invierno se pone calentito,calentito.

Otra muestra de consumo televisivo

a cargo de nuestro Divo Pussy deluxe

(nacida camionero)

Biblioteca Básica de Literatura Clásica

2009-01-27T14:25:00.003+01:00

FISICA SIN DOGMA (Franco Selleri, 1989)

Lo esperaba más escandaloso, en su pretensión de denunciar la, en palabras de Bertrand Russell, "superstición científica". No obstante, basta un capítulo como el de "La controversia acerca del big-bang" y, especialmente, la exposición de las ideas cosmológicas de Halton Arp (motivadas por las inexplicables, a día de hoy, propiedades del corrimiento al rojo de los cuásares), para hacerse una idea de que la física no ha llegado (y en sentido popperiano no lo hará nunca) al final de su recorrido. El recorrido de Franco Selleri se inicia con la revolución copernicana, dedicando sólo el primer capítulo a la física clásica (apogeo: Isaac Newton). Tras unas páginas inevitables sobre la relación, causa de tanta perplejidad, entre las matemáticas y las cosas, Selleri pasa a revisar los problemas fundamentales de la física moderna, esto es, de la relatividad y la mecánica cuántica. La conclusión es apasionante: sólo un siglo después de los hitos fundacionales de Einstein, Planck, Bohr, Heisenberg o Schrodinger, la física se halla en un estado de profunda crisis, habiéndose formando en torno a ella una tupida telaraña de filosofías varias, a menudo contradictorias. El santo grial de la física moderna (la unión de las cuatro fuerzas fundamentales de la naturaleza, de lo macroscópico y lo microscópico, del realismo local y el irracionalismo) se presenta, de momento, inalcanzable.

Otro libro que nos leeremos

recomendado por

Lord Velasco

(y su amiga la física)

El Rincón del Cinéfilo Caliente

2009-01-24T12:21:00.012+01:00

Mi nombre es Harvey Milk (Gus Van Sant, 2008) / Australia (Baz Luhrmann, 2008 )

Resulta curioso que dos directores a priori tan “modernos” como Gus Van Sant y Baz Luhrmann hayan optado por utilizar un estilo narrativo más convencional en sus últimas películas. Si películas como “Elephant” y “Moulin Rouge” no son aptas para todos los paladares, tanto “Mi nombre es Harvey Milk” como “Australia” nacen con la voluntad de agradar a amplios sectores del público, aunque su resultado es bastante dispar.

En el lado positivo de la balanza se encuentra Gus Van Sant, que una vez más ha sabido demostrar que antepone la historia al formato, y no se le caen los anillos de ‘autor de culto’ si en aras del didactismo rueda la historia de Harvey Milk -el primer político estadounidense abiertamente homosexual-, según los parámetros de un biopic tradicional. Pero ojo, tradicional sí, pero de los de gama alta, no de esos soporíferos mamotretos tipo “Una mente maravillosa” que acostumbran a colarnos bajo la etiqueta de “biografía de calidad”. Van Sant se centra en los últimos ocho años de vida de Milk, en concreto aquellos que abarcan el periplo político de este activista pro derechos civiles de la comunidad gay, que consiguió ser elegido concejal en el Ayuntamiento de San Francisco en 1978. La destreza de Van Sant como director se demuestra tanto en su habilidad para evitar caer en la simple hagiografía, como en su capacidad para hacer comprensible e interesante el complicado entramado político. También hay que reconocerle el haber sabido afinar el descomunal talento de su actor protagonista, haciendo que Sean Penn, en un papel tan goloso como delicado, se contenga y ofrezca una de las mejores interpretaciones de su vida. Por todo ello, el visionado de “Mi nombre es Harvey Milk” es altamente recomendable. Aunque sólo sea para rendir nuestro personal tributo a un señor que fue capaz de jugarse la vida por conseguir avanzar en unos derechos civiles que aún hoy, muchos se empeñan en recortar.
En las antípodas de lo anterior, literalmente, se encuentra el último trabajo de Baz Luhrmann, “Australia”. 165 minutos a mayor gloria de un monumento llamado Hugh Jackman. Que si de lo que se trataba era de recoger firmas para que nombren a este hombre Patrimonio de la Humanidad, pues yo firmo la primera. Pero si la intención, como he leído por ahí, era rodar “un clásico al estilo de ‘Lo que el viento se llevó’ del siglo XXI”, es obvio que el actor, además de calentar las plateas de medio mundo a golpe de testosterona, ha conseguido fundirle las meninges al director. Lo único clásico que tiene “Australia” es su nada velada intención de emular aquella “Memorias de África” de Sydney Pollack, a cuya elegancia no se acerca ni de lejos. A las pruebas me remito: si todo el mundo recuerda el vuelo en avioneta de Redford y Streep sobre la sabana africana, la secuencia más comentada de “Australia” es un zoom sobre los aceitados pectorales de Jackman.

Se puede medir fácilmente la distancia que media entre “Australia” y “Memorias de África” a través de sus protagonistas. Porque, aunque el personaje de Jackman, Drover, está claramente inspirado en el Dennis Finch-Hatton que inmortalizó Robert Redford, acaba pareciéndose al Rick O’Connell que Brendan Fraser interpretó en “La momia”, aquel machote yanqui que iba cascando cabezas y disparando su revólver cargándose cualquier resto arqueológico que encontrase a su paso. Aunque, claro está, en aquella, la ostentación viril funcionaba como parodia, y en esta, que pretende ser un drama romántico, deviene casposa y risible. Pese a todo, tengo que decir que Jackman defiende su personaje con bastante más dignidad que su compañera de reparto, la otrora estupenda Nicole Kidman. Y es que la actriz, incapaz de la más mínima expresión facial, consecuencia según las malas lenguas de sus excesos con el bótox, compone un personaje tan esperpéntico como insoportable durante la primera mitad del film. Si a ello añadimos un guión repleto de topicazos, un malo más plano que el encefalograma de Bush y unos aborígenes de opereta para dar color, obtenemos una peli con más azúcar que un empacho de polvorones e igual de indigesta. Y pese a su excesivo metraje, “Australia” consigue no aburrir al espectador, contiene momentos de trazo grueso (la presentación de los personajes, los zooms y los ralentís gratuitos, una edulcorada voz en off infantil...) que deberían sonrojar a un director y guionista que no es novato.

Otra crítica brillante y delirante

escrita por

Pussy Deluxe

(Totalmente desatada)

El Micrófono Caliente del Sádico Indecente

2009-01-22T10:40:00.004+01:00

El regreso de FANGORIA: "Más Es Más"

Alaska y Nacho Canut vuelven a la carga. Y lo hacen con "Más Es Más"´el primer single del que será su noveno álbum "Absolutamente", producido por Neal X y Tony James, fundadores de Sigue Sigue Sputnik y grabado en Londres, que saldrá a la venta el próximo 24 de febrero.

La canción, cuya letra es la antítesis de ‘El dinero no es nuestro Dios’, tiene un marcado carácter disco que recuerda a temas anteriores del dúo a pesar de que Alaska la ha definido como “la primera canción disco que hace Fangoria” (¡¡¡¡¿¿??!!!!). De hecho tengo la sospecha de que para este nuevo álbum han tirado por lo seguro, a pesar del giro hacia el siniestro que supuestamente iban a dar con este disco, y nos ofrecerán más de lo mismo pero peor ya que "Más Es Más" es su peor single hasta la fecha, tanto a nivel musical como por su letra demasiado superficial y vulgar.

El vídeoclip es más bien malillo y de bajo presupuesto, algo habitual por otro lado en los vídeos de Fangoria. En él aparece una Alaska liposuccionada y enfajada con el pelo teñido de negro (esto debe de ser el giro siniestro al que se referían) acompañada de dos descoordinados bailarines lacias peinados muy modernis. Entre los tres bailan algo parecido a una coreografía copiada de Kylie mientras Nacho Canut los graba en vídeo.

No creo que esta canción ni este vídeoclip sean una buena carta de presentación para uno de los discos más esperados del año.

Otra esperada crítica destructiva

a cargo de

Pepe Lucón

(Fan Fatal)

Las Recetas de Chicharrín

2009-01-20T16:38:00.012+01:00

Nuestra amiga la acelga

por Chicharrín

(tu Chichichef)

Hoy os voy a hablar de una verdura que siempre asociamos con las dietas para enfermos o para perder peso además de considerarla como un alimento de lo más insípido, ya que acostumbramos a tomarla muy hervida lo que hace que no sepan a nada, y que suele ser rechaza por los paladares poco verduleros como el de nuestro amigo El Hombre de las Gafas.

Por suerte para él y todos nosotros existen muchísimas maneras de preparar las acelgas quedando realmente deliciosas y manteniendo todas sus propiedades de entre la cuales destacaría su riqueza en fibra (que la hace ideal contra el estreñimiento) que son muy saciantes, nutritivas y con poquísimas calorías (por lo que son muy recomendables en dietas de control de peso), que tienen un efecto suavemente diurético y al mismo tiempo alivia la irritación de las vías urinarias, que nos aportan hierro (hemos de tenerla presente en casos de anemia) y que su efecto alcalinizante es muy importante para ayudar a remineralizarnos y a mejorar problemas de piel como el acné (después de vómitos y diarreas necesitamos alcalinizarnos y remineralizarnos. Aquí tenemos unas buenas aliadas).

De las acelgas se aprovecha tanto las hojas de color verde como la penca o tallo, es por eso que os voy a recomendar dos recetas: una en la que utilizaremos las pencas y otra en la que el protagonismo será para las hojas.

Cuando cocinamos acelgas tenemos que tener en cuenta algunas cosas: tenemos que lavarlas bien ya que suelen traer tierra; tenemos que controlar bien la cantidad ya que menguan mucho; tendremos que vigilar la sal ya que tienden, como las espinacas, a tomar un fuerte sabor; no cocinarlas demasiado rato ya que si no quedan demasiado "pochas" y liberan ácido oxálico (negativo para los que sufren cálculos renales). Por último recordaros que cuando las acelgas son viejas tienden a amargar, sobre todo la penca y que a la hora de comprarlas es mejor no elegirlas demasiado grandotas ya que son menos sabrosas (las mejores serán las que estén bien firmes y sin manchas).

Pencas de acelgas en salsa vasca

Ingredientes:

Pencas de acelgas (los tallos)
Ajo
Perejil
Harina
Huevo
Aceite
Taquitos de jamón

Primero limpiamos las pencas y les quitamos los hilillos o hebras. Las cortamos en trozos generosos, de unos 8-10 cm. Las hervimos durante 8-9 minutos.
Las pasamos en harina y luego huevo y las freimos un minutillo en aceite. Las reservamos en papel absorbente.

Por otro lado podemos preparar la salsa vasca. Para ello freimos en aceite ajo picado y el perejil sin que llegue a dorar y echamos una cucharada sopera de harina y removemos rápidamente, conseguiremos que espese el aceite pero lo aclaramos con un cazo de agua hasta conseguir la texturas de la salsa. No ha de quedar muy espesa ya que cuando enfria se quedará más espesa si cabe. Así que ser generosos con el agua.Ya tenemos una salsa a la vasca. Ahora echamos los tacos de jamón y los cocemos unos par de minutillos.

Cuando tengamos la salsa hecha, metemos las pencas fritas y las dejamos cocer en la salsa unos 3-4 minutillos para que coja gusto.
Se presenta en el plato y listo....menudo manjar por cuatro perras!!!!

Probarlo que es una triunfada, fácil, delicioso y barato!!!

Raviolis de acelgas con salsa holandesa

Ingredientes:

Para los ravioli:

Hojas de acelgas
Queso mozzarela u otro que funda
Nueces picadas

y para la salsa:
Harina
Huevos
Mantequilla
Limón

Escaldamos la hojas de acelga (previo cortando el tallo o pencas, que podreís utilizar para hacer la receta anterior). Las escaldaremos en agua hirviendo durante un minuto. Rápidamente deberiamos enfriarlas a ser posible en agua con hielo para cortar rápidamente la cocción y no se desagan. Un vez cocidas y enfriadas preparamos la hojas para hacer los raviolis. Cortamos parte de la hoja para que no sea demasiado grande o nos cuelguen trozos de hoja...hay que ser curioso con la comida. Si la hoja de acelga tiene todavía un trozo de tallo, para evitar romper el ravioli, lo que haremos es corta parte de ese tallo, pero solo el tallo, evitaremos cortar parte de la hoja. Encima de la hoja pondremos un trocito de queso, luego nuez picada y encima de nuevo otro trozo-lámina de queso para aguantar la nuez. Debemos presionar un poco para que la nuez se aplaste y se pegue con el queso. Ahora con cuidado envolvemos el queso con la acelga. Iremos esquina a esquina e intercambiando los lados para que aguante más el paquetito de ravioli. Podemos presionar con delicadeza para que quede compacto y no se desarme al freirlo. Con harina y agua preparamos el rebozado. No ha de quedar líquido ya que se quedará todo en el aceite, tiene que ser un poco espeso. Después de rebozar el ravioli, los freimos durante 40 segundos más o menos hasta que podamos ver el verde de la acelga y parte del rebozado. La textura al principio es crujiente pero luego con el calor es normal que se hablande un poco. Los escurrimos en papel absorvente (¡¡¡no como en la foto!!!) y los reservamos para emplatar Para la salsa holandesa hay que ser un poco meticuloso y paciente...parece liosa pero es fácil, con un poco de cariño y cuidado seguro que sale.
Ponemos en una ollita unos 150 gramos de mantequilla y la derretimos. La apartamos para que pierda algo de temperatura. En otra olla ponemos agua en el fogón, a fuego medio o poco fuego. Con esto lo que intentaremos será que el agua nunca llegue al punto de ebullición.
En otro bol (de acero inox o cristal) ponemos cuatro yemas de huevo medio batidas y un chorro de limón. La técnica consiste en poner el bol con las yemas encima de la olla con el agua para hacer la salsa al baño maria, removiendo muy bien las yemas . ES SUPER IMPORTANTE QUE EL AGUA NO LLEGUE A HERVIR PARA QUE LAS YEMAS NO SE CUEZAN. Mientras vamos removiendo (no batiendo) las yemas encima del agua caliente, vamos echando chorrito a chorrito la mantequilla derretida, pero poco a poco para que no se nos corte. Si lo hacemos bien, con paciencia y dedicación conseguiremos una textura de mayonesa ligera pero con un aroma y sabor exquisito. Lo chungo de esta salsa además es que debería ser comida al momento, ya que si la recalentamos se nos aguará toda la salsa...conservando el sabor por supuesto pero con una textura de salsa más líquida....así que lo suyo es prepararla al final justo antes de comer. Se sirve algo más que templada ya que nunca hemos llegado a calentar del todo la salsa. Se emplatan los raviolis con la salsa y se te giran los ojos al probarlo. Un plato delicioso como no los hemos probado antes, baratísimo y si no fuera por que la salsa requiere algo de dedicación... sería facilísmo. De todos modos lo dejeis de intentarlo y probarlo, merece mucho la pena.

Información nutricional de las acelgas (por 100 gr.)
a 15 - 20 calorías.
a 1,5 % de proteínas.
a 0,2 % de grasas.
a 2´5 % de carbohidratos.
a 0,4 % de fibra.
a 24 mg. de vitamina C.
a 1950 U.I de vitamina A.
a Además cubren el 25 % de las necesidades diarias de potasio, el 30% de calcio, la mitad del hierro, casi la mitad del magnesio, el 20 % de la vitamina E, yodo, ácido fólico y un poco de vitamina B.

El rincón del Cinéfilo Caliente

2009-01-17T19:13:00.006+01:00

La clase (Entre les murs), Laurent Cantet, 2008

Como la estupenda “Gomorra”, de Matteo Garrone, “La clase” combina con acierto la apariencia documental con unas interpretaciones naturalistas y un buen guión, que como en aquella está basado en un libro, en este caso el “Entre les murs” de François Bégaudeau.
Planteada como el seguimiento de la interacción entre un profesor y sus alumnos a lo largo de un curso escolar en un instituto de un barrio conflictivo de París, la película de Cantet consigue pulverizar las barreras geográficas y nos da la oportunidad de conocer y reflexionar sobre el sistema educativo actual y los problemas a los que profesores y alumnos se enfrentan cada día. Desde el miedo de los profesores a enfrentarse a una nueva clase, a las diferentes fases de ilusión, exasperación, impotencia, reflexión y finalmente esperanza -sin la cual es imposible enfrentarse a la tarea de sembrar conocimiento en territorio hostil-, por las que puede llegar a pasar un docente en los meses que comprenden un solo curso. Pero también los problemas de comprensión de las materias y del idioma de muchos alumnos, tanto autóctonos como inmigrantes, y la dificultad de compaginar la cultura de tus ancestros con la del país que te acoge, unida a los conflictos propios de un periodo vital especialmente complicado y antipático como es la adolescencia.
Cantet, de la mano de François Bégaudeau, que no sólo ha participado en el guión sino que también da vida al profesor protagonista de la cinta, consigue plantear estos y otros muchos temas, de forma amena y sin caer en maniqueísmos, y como resultado obtiene una película emocionante y necesaria que el jurado del festival de Cannes 2008, presidido por Sean Penn, premió con la Palma de Oro a la mejor película.

Otra emocionante película francesa

que os cuenta nuestra querida princesaPussy Deluxe

(¿Princesa esa?)

LO MEJOR Y LO PEOR DEL 2008

2009-01-04T03:56:00.017+01:00

Por Pussy Deluxe

Este año, o la cosecha ha sido floja o el alzheimer ha hecho mella en mí, porque me ha costado mucho acordarme de lo visto durante 2008 en las salas de cine. He de advertir que ante la falta de incentivos y el alto precio de las entradas, tampoco me he prodigado demasiado, por lo que la lista que viene a continuación es totalmente parcial, subjetiva y espero que por el bien del blog, algo escandalosa, que os veo un poco sosos en los comentarios últimamente.

Empecemos por lo bueno. Dos películas cargadas de optimismo: “Wall-E” dirigida por Andrew Stanton y “Rebobine, por favor”, de Michel Gondry; y dos totalmente exentas de esperanza: “Antes que el diablo sepa que has muerto”, de Sydney Lumet, y “Gomorra”, de Matteo Garrone. También recuerdo con cariño “Appaloosa” de Ed Harris y “Sólo quiero caminar”, de Agustín Díaz Yanes. En cambio me sube la bilis y me sale sarpullido ante el recuerdo de “Mamma Mía” de Phyllida Lloyd, el rato más bochornoso que he pasado en una sala de cine en mucho tiempo.

En cambio, no me cuesta nada acordarme de los maravillosos momentos que nos han proporcionado las series estadounidenses. Cum laude: la 4ª temporada de ‘Lost’, que nos hace desear -¿quién nos lo iba a decir?- volver a la maldita isla y es cada vez más enrevesada y adictiva; la 4ª de ‘Weeds’, con la familia Botwin más desatada y divertida que nunca y unos guionistas capaces de superar el gran final de la tercera temporada; la 3ª de ‘Dexter’, de nuevo impresionante, en la que se profundiza en las relaciones personales de los personajes; la 2ª de ‘Mad Men’, que navega por el mar de infelicidad y frustración de sus protagonistas; la primera de ‘In Treatment’, que nos da la oportunidad de colarnos en la consulta del Doctor Weston y observar lo intrincado del comportamiento humano; ‘True Blood’ que nos invita a escudriñar el lado oscuro que todos llevamos dentro y a fantasear con el sexo vampírico; ‘Swingtown’ que me hizo ver los 70 con otros ojos y me animó el verano; y las cinco temporadas de ‘The Wire’, un drama policiaco extraordinario que acabó este año y merece estar en un lugar preferente en nuestra DVDteca.

Lo peor: el doblaje al español de la mayoría de las series antes citadas y el maltrato que reciben en las cadenas generalistas; que TV3 decidiera cancelar la única serie decente de producción nacional ‘Porca Misèria’, que tiene cuatro temporadas que demuestran que desde aquí también se pueden hacer series estupendas; la 2ª temporada de ‘Heroes’ –tan mala que los propios guionistas la han borrado del mapa durante la tercera-; el bochornoso nivel de la mayoría de series españolas (‘Plutón Berbenero’, ‘Gominolas’, ‘Herederos’, ‘Hospital Central’, ‘Física o química’, ‘Generación DF’, ‘Yo soy Bea’…); y por último, aunque no sea sobre series, me parece garrafal que TVC se cargue dos programas de calidad como ‘Silenci?’ y ‘Loops’. Espero que, para compensar, La 2 siga confiando en el humor de ‘Muchachada Nui’, que falta nos va ha hacer en este 2009.

LO MEJOR Y LO PEOR DEL 2008

Por Lord Velasco

No sé qué pensareis vosotros pero, para mí, el 2008 ha sido un año anodino en lo que se refiere a cine: no he visto ni una sola película que me haya parecido maestra. Han habido películas memorables, claro, y a la lista de mi querida Pussy, yo añadiría "Sweeney Todd" y "El incidente" como dos de las propuestas más jugosas de este año. En otra órbita, no menos espectacular, destacaría los buenos momentos que me han proporcionado "Alexandra", "El cant dels ocells", "Las horas del verano" y "Vampir Cuadecuc".

Ha sido en el terreno del DVD, y no en las salas, donde he podido disfrutar de las mejores imágenes del 2008: en clásicos del cine silente como el "Haxan" de Christensen; en la recuperación de algunos de los films más bellos de Robert Bresson ("Au hasard Balthasar" y "Mouchette"); en la primicia que ha supuesto "The saddest music in the World" y "Drácula: pages from a virgin's diary", dos títulos del interesantísimo, e inédito en estos lares, director canadiense Guy Maddin; o en los imprescindibles cofres que ha ido publicando el sello Intermedio y entre los que destacaría los dedicados a Chris Marker, Pedro Costa y, sobre todo, Jean Luc Godard y el grupo Dziga Vertov.
Realmente lo del DVD ha sido un no parar que espero que el 2009 no frene. Y, a la espera de ver en cines nuevas películas que me encandilen, como los prometedores y ya inminentes "Milk" de Van Sant y "Gran Torino" de Eastwood, me tendré que seguir consolando y regocijando en su mando, alejado del calor de las salas.

LO MEJOR Y LO PEOR DEL 2008

por El Hombre de las Gafas

Al contrario que mi queridísima Pussy yo no he tenido que hacer ningún esfuerzo para recordar cuales han sido las mejores películas del año porque a medida que iban pasando los meses del pasado 2008 más claro tenía que ni había visto ni iba a ver ningún estreno que valiese realmente la pena. Y no es que no hayan habido películas buenas, es que ninguna sala de cine se ha dignado en estrenarlas (los casos más sangrantes "Youth without youth" de Francis Ford Coppola y "Ponyo en el acantilado" de Hayao Miyazaki).

Así que como mejores películas del año he seleccionado las cuatro que al menos superaron las espectativas que había depositado en ellas antes de verlas: "El territorio de la bestia" de Greg McLean, "Monstruoso" de Matt Reeves, "Vicky Cristina Barcelona" de Woody Allen (entré al cine para despellejarla y acabo gustándome hasta Penélope Cruz) y "Las horas del verano" de Olivier Assayas. Pero sin duda el mejor momento que pasé en un cine el pasado año me lo proporcionó "Freedom" de Shuhei Morita, serie de animación lanzada directamente en DVD, durante su pase en el Festival de Sitges. Entre lo peor de lo peor tres ejemplos de cine aburrido, aburrido. De ese que te aburre hasta cuando te duermes: "From Inside" de John Bergin, "Sweeney Todd" de Tim Burton y "El Incidente" de M.Night Shyamalan.

Así que como la cartelera ha estado tan floja todo el tiempo que años atrás dedicaba al séptimo arte se lo he dedicado en éste al noveno: el cómic.

Pasa con los cómics extranjeros que suelen llegar a nuestro mercado con un mínimo de un año de retraso con respecto a la publicación en su país de origen. Es por eso que aunque la mayoría de los cómics de los que os voy a hablar nos han llegado durante el 2008, se tratan en realidad de trabajos más antiguos. No me voy a extender para explicaros por qué considero estos cómics como los mejores que leí el pasado año porque pienso hablaros de ellos en próximos artículos. Aquí va la lista: "Arrugas" de Paco Roca, o la lucha contra el alzheimer contada sin tapujos ni sensacionalismos; "Kiki de Montparnasse" de José Luis Bocquet, una obra magnífica que nos cuenta la biografía de Alice Prin, musa de los grandes artistas del París de entreguerras; "Santuario" de Xavier Dorison, una claustrofóbica aventura de submarina con maldición de fondo; "Historias de la granja" de Jeff Lemire, un año en la vida de un niño huérfano, aficionado al hockey y obsesionado con ser un superheroe; "Historias color de tierra, vol.1" de Kim Dong-Hwa, relato intimista sobre las vivencias de una joven viuda y su hija en una aldea de Corea; "Los Exterminadores, vol.1 y 2" de Simon Oliver, las alocadas peripecias de un grupo de frikis que intentan a toda costa que Los Ángeles no sucumban ante la mayor plaga de cucarachas jamás vista; y "Los muertos vivientes vol.6 y 7" de Robert Kirkman, en palabras del propio autor, su intención no es asustar a la gente con los zombis, su intención es contar cómo responde la naturaleza humana frente a situaciones extremas como la que se da en la historia. Pues eso: un culebrón en la era de los muertos vivientes.

Lo peor del año en cuanto a cómics se lo lleva Marvel por el horrible final de la segunda temporada de "Astonishin X-Men", por la tontería de desmembrar la historia de "Especies en peligro" entre los tomos de las distintas series mutantes de la compañía (X-Men, New-Xmen, X-Factor...) y, por último, por incluir la serie "X-Factor" dentro del crossover "Complejo de Mesias". Y es que a los que seguimos "X-Factor" nos interesa más saber si Madrox podrá pagar el recibo de la luz que ver la enésima resurrección de Jean Grey.

Por último destacaré tres series que durante este 2008 me han proporcionado buenas dosis de disfrute.

Por regla general lo que me atrae del genero de ciencia ficción son las cuestiones filosóficas que éste te plantea sobre el futuro. "Física y Química" es en ese sentido una serie revolucionaria ya que ha conseguido captar mi atención y robarme el alma a base de cuestiones sobre mi pasado. Cuestiones tales como: ¿habrá valido la pena mi paso por el instituto si durante toda mi enseñanza secundaria no fui capaz de follarme a ningún profesor ni profesora, ni de haber violado a ningún compañero o ni tan siquiera de morir de una sobredosis? o ¿hubiese aprobado mates si mi madre se hubiese follado al jefe de estudios que estaba liado con la directora que era la madrastra de la que se follaba a mi amigo camello que le pasaba drogas a la amante psicótica del conserje que rodaba pelis porno con el profesor de mates?. Un diez para esta serie.
Durante doce semanas me ha tenido enganchadito perdido a la sangre de vampiro "True Blood". Un asesino en serie, exorcismos, adictos a la sangre de vampiro, una chica que lee las mentes, un perro que no es lo que parece y muchas más cosas os encontraréis en Bon Temps, el pueblecito de la Loussiana profunda donde transcurre esta serie.
Y qué os puedo contar de "Héroes" si hasta disfruté de su segunda temporada. Pues eso, que si sois amantes de los culebrones, con o sin sentido, la tercera temporada de "Héroes" titulada "Villanos" es vuestra serie. Personajes que no son lo que parecen, futuros amenazadores y pasados que pesan demasiado, hijos que se reencuentran con sus padres, giros argumentales a diestro y siniestro y muchas muertes es lo que nos ofrece esta fantástica serie fantástica.

El Rincón la Adolescente Caliente

2009-01-02T23:35:00.015+01:00

3 propósitos para el 2009

Tía, qué palo. Ayer era el finde que me tocaba estar con mi padre y no veas que muermazo.

¡Pues qué pasó! Lo de siempre. Que el tío tiene unos remordimientos que te cagas porque se pasa casi todo el año sin verme ni llamarme y entonces en dos días quiere hacerme ver lo buen padre que es y no se le ocurre otra cosa que ir en plan colega conmigo. Será plasta.

No, eso sí. Pasta le saco un huevo. Pero lo malo es cuando, como pasó este finde, se le ocurre que vayamos a pasar el día al centro comercial.

Sí, claro que me compra ropa y cosas, pero no veas como me ralla: que si esta falda es muy corta, que si con esta camiseta se te marcan las tetas, que esos taconazos me van a destrozar los pies, que cómo me deja mi madre vestir de esa manera. Total, que al final acaba comprándome lo que a él le da la gana. Unas cosas horrendas de vieja de 30 años que hoy mismo he abandonado en la puerta de la iglesia.

Buenooo. ¿La comida?. Ya te puedes imaginar el rollo que me soltó cuando le dije de ir al burguer: que esa comida es basura, que se te van a pudrir los dientes con la coca-cola, que a saber de que está hecha esa carne. Así que al final me llevó a comer a un vegetariano y acabé hasta el coño de brotes tiernos y puré de garbanzos.

Nooo. Si lo peor fue cuando le digo de ir al cine a ver la de "Ultimatum a la Tierra" y me dice que esa peli es para subnormales, cómo él es tan listo, y que entremos a ver la de "Mongol". Pues tía, menudo criterio. O sea, una de subnormales no y una de mongos sí. Total, que para el cine que fuimos a ver la de los mongos. Menos mal que al menos conseguí que se gastara 10 euros en comparme un kilo de chuches rosas para pasar el mal trago.

Total, que empieza la sesión y comienzan a poner como unas minipeliculitas que te explican otras películas más largas que darán más adelante. Yo me quedé muerta porque se ve que eso lo hacen siempre en los cines antes de que empiece la peli, pero, claro, como siempre llego cuando la peli está empezada pues no sabía nada de su existencia. Total, que dieron tres, a cuál más chulo. Total, que me he quedado con unas ganas locas de ver las pelis. Así que para este próximo año que acaba de empezar me propongo por los pelos mi Barbie ir a verlas todas.

¿Que qué pelis son? Ahora mismito te lo cuento.

La primera de las minipeliculitas va sobre otra llamada "Terminator4 : Salvation". Y va sobre un pavo superbuenorro que tiene que salvar a los hombres de unos robots superchugos que se los quieren cargar. Tía y no te lo vas a creer, el prota es el Cristian Bale, el mismísimo Batman, que hace de un hombre que es el niño de la segunda parte. Bueno y la peli tiene una pinta superchula, superllena de efectos especiales. La estrenan en Mayo y si todavía te hablo pues te vienes conmigo a verla.

La segunda mipeliculita está basaba en la próxima película llamada "Repo! The Genetic Opera" que es un musical lleno de canciones. La peli pasa en un futuro donde ha habido una enfermedad maligna que ha destruido los órganos internos de las personas humanas. Total que hay unos malos que se dedican a matar a gente sana para vender sus órganos a los ricos. La peli tiene una estética total, con tías hipersiniestras y cachas en taparabos. Además una de las protas es, agárrate el tupé, Paris. Sí, sí, la mismísima Paris Hilton, supermorena y vestida de látex, que hace de malísima y canta un par de temas. Vamos que no me la pienso perder.

Bueno y la tercera película que pienso ir a ver es la de "X-Men orígenes: Lobezno". Esta películas está más relacionada con las pelis de superhéroes que con las pornos, aunque ya me gustaría que fuera al revés porque el prota es el pavo éste superhipermegabuenorro de la peli de "Australia", el Hugh Jackman, que no veas como me ha puesto cuando en mitad de la minipeliculita aparece en cueros metido en un jacuzzi. Mira, si todavía me palpita el tanga del calenturón que he cogido. Y me parece que me va a seguir palpitando hasta que estrenen la peli en Mayo.

No sé muy bien de que va la peli, pero te puedo decir que el superhipermegabuenorro sale con tejanos y chupa polvorienta, en camiseta interior blanca de tirantes, vestido de militar, en moto y peleando y que te lo comerías siempre.

¿La peli de mongolos?. Pues tía me pasó que no la vi. Porque mira, resultó que fue justo al acabar la última minipeliculita que me quedé sin chuches y mira tía, me entró un sueño que no me pude contener. Total, que me pegué un siestorro que para cuando me desperté ya se había terminado la peli. Y menos mal que me desperté porque mi padre también se quedó dormido y un poco más y nos dejan encerrados en el cine. Te imaginas qué terror. Pasar toda la noche encerrada con tu viejo. Eso sí que daría para una peli.

En fin tía, que te tengo que colgar que ya oigo a la pesada de mi madre gritándome para que vaya a cenar.

Vale tía, a las doce en el mesenger. Besitooos.

Un adelanto del cine que nos viene

contado por

Fanny Rose

(tu adolescente caliente)